miércoles, 31 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #18


Various ‎- Killed By Death #18
(Redrum Records (KBD), 1998)

A1-Defex - Machine Gun Love
A2-Dogs - Teen Slime
A3-Lubricants - Transformation Vacation
A4-Dennis Most & The Instigators - Excuse My Spunk
A5-Abuse - In America
A6-Shell Shock - My Way
A7-Meaty Buys - Criminal Mind
A8-Nubs - Little Billy's Burning
A9-Teenage PHD's - Eat, Sleep And Fuck
B1-Destry Hampton And The Wolves From Hell - Paradise
B2-Snuky Tate - Can You Dance To It
B3-Gynecologists - Sex Orgy With The Bradee Bunch
B4-Ebeneezer And The Bludgeons - Fake
B5-Aunt Helen - Big Money
B6-The Eat - Jimmy B. Good
B7-Jayne Doe - As The World Turns
B8-Lepers - Coitus Interruptus
B9-Shit Dogs - World War III

AQUI.

martes, 30 de agosto de 2016

NEIL GAIMAN ENTREVISTA A LOS HERMANOS HERNANDEZ (PARTE 8 DE 9)

Entrevista aparecida en The Comics Journal #178 (1995). Traducida por Frog2000. Parte 1, parte 2parte 3parte 4parte 5parte 6, parte 7.

Jaime: De acuerdo, me gustaría volver un rato sobre el estilo de dibujo, porque la verdad es que no puedo esperar a entrar en detalles. A veces te quedas mirando una viñeta y empiezas a pensar: "¿Cómo es que parece haber tantas cosas en esta y casi nada a partir de este punto?" Todo depende de tu estado anímico. A veces me gusta dibujar los pliegues de una chaqueta, pero otras no pongo ni una sola línea. Afortunadamente sigo trabajando saltando de una viñeta a otra, entre la primera página y la sexta para luego volver sobre la segunda, así que de alguna forma los detalles de cada página quedan bastante equilibrados. Supongo que si hiciese las cosas en orden, podrías darte cuenta de que el cómic empieza con aspecto muy detallado para terminar con uno mucho más simple, muy recargado al principio y quizá más aburrido a lo largo de las siguientes páginas... Mientras estoy dibujando el cómic voy pasando por todos esos tiras y aflojas, sopesando los pros y los contras, o como quieras llamarlo, barajando varios estilos y diferentes enfoques para el dibujo. Supongo que todo dependerá de lo que siga llamándome la atención a la hora de empezar a trabajar.

Gaiman: Dejadme preguntaros algo a lo que he estado dándole vueltas todos estos años. ¿Cuál creéis que puede ser la unidad básica de los cómics, la viñeta o la página? ¿Cuál puede ser la unidad básica cuando la gente está leyendo el tebeo? 

Gilbert: Diría que ambas.

Jaime: En un momento dado, ¿qué es lo más importante para vosotros?

Gilbert: Supongo que si estás haciendo una escena donde se muestra una pelea, deberías utilizar toda la página. Pero si lo que estás haciendo es dibujar una conversación, puedes hacerla en una sola página, o también puede transcurrir de una viñeta a otra durante varias páginas. Según vamos dibujando la historia, siempre tenemos presente todo su desarrollo, por lo que cuando saltamos de una viñeta a otra, seguimos teniendo en mente toda la historia.

Gaiman: En mi caso me he dado cuenta de que la página es una unidad que parece tener bastantes pausas, incluso cuando lo que aparece en ella consiste en una conversación que transcurre durante cuatro páginas y no ocurra mucho más. 

Jaime: Claro. Aunque en mi caso preste más atención a una de las viñetas que a las siguientes tres de esa misma página, nada más acabarla me fijo en ella como si fuese un todo para ver si se ha quedado bien equilibrada. Y si no lo está, cojo y me pongo a arreglarlo. Suelo empezar dibujando viñetas sueltas aquí y allá, pero cuando acabo la página la miro como un todo. Supongo que ambas unidades son importantes. 
Gaiman: Claro, tiene sentido. Por eso te he preguntado sobre cuál pudo haber sido el motivo de editar con otro formato el Love and Rockets X. Porque el original estaba dibujado con una rejilla de nueve viñetas, que por un lado tiene una apariencia determinada y se lee con un ritmo determinado, y en la nueva edición se ha transformado y casi tiene algunas viñetas solitarias e individuales en cada página. Me empiezo a preguntar si de alguna forma la viñeta podría equivaler a una página, casi como si tuviese un tono más tántrico. Me pregunto hasta qué punto podría cambiar la experiencia de lectura.

Gilbert: Seguro que puede marcar una diferencia. El diseño de página de Love and Rockets X consistía en una rejilla de nueve viñetas, y luego lo hemos cambiado por una de seis por página. Después de pensarlo, me parece que la experiencia de lectura es bastante diferente, aunque no es que necesariamente sea una experiencia peor...

Gaiman: Creo que no me refiero a que algo sea peor o mejor, sino sobre qué es lo que puede haber cambiado... bueno, cuando la tira Snoopy empezó a encoger, sé que notásteis una gran diferencia, ¿no se llegó a reducir de cuatro a tres viñetas? Parecía como que había llegado el momento de hacerlo. Cuando tenía cuatro, la tira solía ser: Algo, algo, lo que daba sentido a la tira, la reacción. Lo más genial de la mayor parte de las tiras de Snoopy, aunque no de todas, no era la parte que daba sentido a la tira, esa tercera viñeta. En realidad era la cuarta la que hacía que te fijases en las intenciones del narrador y te hacía darte cuenta de lo que quería decir, o esa en la que uno de los personajes decía algo que en realidad remataba la tira y cobraba sentido. Pero claro, con tres viñetas el ritmo sufrió un cambio.

Gilbert: Pero es que estamos hablando de Schulz, que desarrolló la tira con esa estructura en particular. Nosotros solemos cambiar las cosas de varias formas.

Gaiman: A eso me refería. Además está el hecho de que en vuestro material se produce un extraño solapamiento visual entre... puede que no te des cuenta... pero de alguna forma lo veo presente...

Jaime: Claro, cuando me pongo a dibujar una viñeta, sé que la de más abajo va tener que llevar mayor cantidad de negro o blanco...
RUMORES Y CONFIRMACIONES

Gaiman: Antes hemos estado hablando de Scott Russo y su Jizz. ¿Qué opináis de su extraño y pequeño tebeo a lo Hernandez? 

Jaime: Difícilmente tiene que ver con nosotros. ¿Es que quería hacer chistes con mejicanos o algo parecido? Por eso pasé de su material. Si se hubiese dirigido a nosotros directamente lo podría haber entendido.

Gilbert: Claro, es que no tiene nada que ver con nosotros. Básicamente quería hacer algo en plan provocador. Solo es un talento marginal. Me refiero a que Jizz tiene cosas graciosas, lo admito, pero él es... básicamente... [risas]. Me parece que se desprecia a sí mismo, es un estúpido maníaco, y aparentemente también un poco racista. Escribió una reseña para Film Threat sobre una película que tenía que ver con Méjico, y en ella atacaba directamente a Méjico y a los mejicanos. Me parece un perdedor patético.

Giamn: Lo único que me ha impresionado fue el último número de Jizz, donde aparecía parodiada toda la gente que suele hacer cómic autobiográfico. 

Gilbert: [Risas.] Era terrible, pero tío, ¡te partías de risa!

Gaiman: ¿Qué te parecen esos cómics? Hubo una época que parecía que los estaba haciendo todo el mundo. Chester estaba metido a fondo en el tema autobiográfico, y también Joe Matt y Seth, y Julie... parecía que habíamos llegado a un punto en el que todos empezaron a pensar que de repente la ficción era una mala idea. Como que era una idea puritana.. en plan: "si vas a hacer algo, ¿no te lo podrías tomar más en serio?"

Gilbert: A nosotros no nos preocupaba gran cosa, porque seguíamos haciendo lo que nos gustaba. Pero también hay que tener en cuenta el otro punto de vista, el de que mucha gente estaba haciendo material autobiográfico y aseguraban que todo lo que contaban era cierto, aunque no fuera así. Algunos historietistas incluso me lo han confesado: "En realidad modifique lo que dijo esa persona porque no quería ofender a nadie." O me dicen: "paso de hacer esto por este motivo." ¿Qué estás haciendo entonces? ¡No lo llames autobiográfico! ¡Lo estás convirtiendo en ficción!

Gaiman: Es como un proceso de selección.

Jaime: Claro. Si quisiera hacer cómics autobiográficos tampoco me importaría mucho cómo aparezco retratado, porque todo el mundo puede tener un concepto diferente de mi persona. Me verán de forma diferente a como me veo yo. No creo que sea justo que yo cuente mi vida, porque no la estoy viendo desde el exterior, no puedo dar un paso al exterior y empezar a observarme. Creo que esa es la mayor fuerza de un artista: la de ser capaz de observar las cosas.

Gilbert: Supongo que hay más libertad en la ficción, porque hasta cierto punto puedes disfrazar las cosas para no ofender a nadie. Si eso es lo que estás buscando, claro. Pero si haces material autobiográfico siempre estás preocupado por no ofender a alguien... a menos que seas un completo mamón y no te preocupe hacerlo.

Gaiman: Creo que esa es la función de las ficciones. ¿Qué es la ficción? La ficción es una mentira que cuenta cosas reales. Es una metáfora. Es una forma de ver las cosas como nunca las habías visto antes, de una forma que puede hacer que parezcan más reales.

Gilbert: La gente solía afirmar: "Love and Rockets no es lo suficientemente realista". Una vez, en un momento de debilidad me dije: "¿Sabes qué? Tienen razón. Debería dibujar a las mujeres de esta forma, o dibujar a mis personajes de esta forma determinada, o que hicieran esto o lo otro." Pero entonces caí en la cuenta: "¡Espera un minuto! ¡Todo eso son chorradas! Esto es arte. Esto va de contar mentiras, todo, cada pedazo, ¡es mentira!" Como tú mismo has dicho, es como decir la verdad con mentiras. Y me parece bien exagerar las cosas lo que quieras para que cuando alguien se lo lea, parezca real. 

Jaime: Es como dar una sensación de realidad.

Gaiman: Es la verdad subyacente que tiene que alcanzar el artista. Ese punto de reconocimiento. Un punto en el que cualquiera que lea tu obra se diga: "Si, esto es cierto y no me importa si ocurrió o no."

Jaime: Es como esa vieja frase de Orson Welles: "En la vida real no hay nadie como Cagney". Sin embargo, había algo muy real en su forma de actuar y supongo que tenía mucho que ver su imagen, la forma en que se movía parecía muy real.

Gilbert: Claro. Tomad esto, debiluchos historietistas autobiográficos.

Gaiman: ¿Os ha pedido el cuerpo hacer alguna vez algo autobiográfico?

Gilbert: ¡Por supuesto! Por ejemplo, en el próximo número 49 de Love and Rockets aparecerán unas historias autobiográficas que he toqueteado un poco... ¡en lugar de dibujarlas tal y como ocurrieron! [Risas.] Intentaré que sean divertidas. Puede que sea un experimento a lo Birdland, no lo sé. Las estoy haciendo porque me estoy divirtiendo un montón, para poder escapar un poco de la historia regular... y para que conste, supongo que el número 50 será el último de la revista.
Gaiman: Había escuchado el rumor de que cada uno íbais a empezar con vuestro propio título.

Jaime: Si, pero tampoco es definitivo. Lo único definitivo es que el número 50 será el último.

Gilbert: Podríamos seguir, pero por ahora hemos decidido parar un poco, porque sentíamos que necesitábamos realizar un cambio, además, creo que los lectores también lo necesitaban. No tiene nada que ver con la calidad, tan solo es que queremos hacer las cosas en formatos diferentes. Me gustaría probar con otros personajes.

Gaiman: ¿Váis a cambiar el nombre?

Gilbert: Sería una bobada deshacernos del nombre, porque... bueno, nos parece bueno, y además la gente lo reconoce de inmediato. Pero al mismo tiempo, tampoco quiero que se convierta en una maldición. No me gustaría que automáticamente empezásemos a pensar: "Hagamos un Love and Rockets de tamaño comic book y pongámonos a hacer inmediatamente lo que estábamos haciendo antes". Al menos no queremos hacerlo completamente igual. Creemos que será en color, puede que solo en parte.

Gaiman: Supongo que dibujaréis el material planeando que va a ser en color, en lugar del aspecto tan horrible que tiene el Mechanics coloreado, ¡buf!

Gilbert: Si, ese parecía coloreado, pero el complemento de Penny Century en color tenía mejor aspecto.

Jaime: Estaba impreso de mala forma, y uno de los números apareció completamente coloreado solo en azul y amarillo. Tenía muy mala pinta. Si alguna vez quiero hacer un cómic a color, lo dibujé directamente a color. Creo que hay una gran diferencia. Cuando me lo propusieron estaba tan ocupado con la última historia de Love and Rockets que no me preocupé demasiado de esa edición de Mechanics, así que no le presté tanta atención como debería. Pero luego han hecho unas cuantas reimpresiones, y las reimpresiones son reimpresiones. Ese material ya está terminado. No me preocupa mucho.

Gaiman: ¿Trabajaréis ambos en el nuevo título? Puede que sea una pregunta bastante tonta.

Gilbert: Por supuesto, si al final sigue siendo Love and Rockets nos dividiremos el cómic. No sé lo que querrá hacer Jaime, pero definitivamente, a mí me gustaría enfatizar más varios personajes, quizá algunos que ya están creados, o puede que sean otros que he presentado hace poco. Es probable que si seguimos haciendo Love and Rockets no vuelva a retomar Palomar. Sería un error para la saga, no lo sé. Ya veremos.

Gaiman: ¿Habrá alguna especie de final? ¿O el hecho de saber que esta revista va a tener un último número os hace querer proseguir de alguna forma? Creo que saber que algo tiene un final, como si fuese un punto crucial en la creación de un trabajo artístico, hace que me resulte más sencillo seguir adelante. 

Gilbert: Claro, en mi caso tengo pensado un final. Sé bien cómo va a ser la última historia de Palomar. Sé qué es lo que les va a ocurrir a los personajes. Y continúe haciendo Love and Rockets o no, tengo planes para un par de ellos, porque hace poco se me ha ocurrido alguno más. 

Gaiman: ¿Podéis comentar qué personajes váis a utilizar?

Jaime: Si yo sigo con alguno, será con Maggie. Pero voy a cambiar el entorno en el que se mueve. Seguiré con ella hasta que ya no pueda hacerlo. Maggie seguirá existiendo, le guste aella o no. ¡Da igual que no quiera! [Risas.]
CINE

Gaiman: Hablemos sobre el infierno hollywoodienese. [Risas.] En parte porque me fascina, y en parte porque supongo que vosotros habéis estado siguiendo lo que acontece en ese sitio durante esta última década.

Gilbert: ¿Te refieres a si Love and Rockets ha tenido la oportunidad de convertirse en una película? ¿O solo hablas de Hollywood en general?

Gaiman: Ambos.

Jaime: ¡Todo es lo mismo!

Gaiman: Claro, diría que como fenómeno pensamos lo mismo. Además, uno de los motivos por los que quería preguntaros es porque estuve fijándome en todos esos anuncios de la película de Tank Girl. Tank Girl me parece un tebeo de primera que tiene un toque muy post-Hopey, pero tampoco sería justo etiquetarlo como una copia de Love and Rockets. Eso sí, supongo que sin vuestro magazine nunca habría existido. Creo que en ese sentido, el estilo de Jamie Hewlett no habría sido el mismo, y definitivamente Tank Girl tiene un punto de vista cercano al de una joven Hopey. Estoy intentando juzgarlo de la forma más justa posible, porque he leído algunas cartas en el The Comics Journal que...

Jaime: [Risas.] Bueno, más o menos ya lo has dicho todo.

Giaman: De acuerdo, es uno de los motivos por el que os he preguntado lo de Hollywood. Si queréis, dad vuestra opinión, pero también está bien si no lo queréis hacer.

Gilbert: Bueno, se puede ver nuestra influencia, pero como tú mismo has dicho, es una mezcla de Hopey y de los inicios de Maggie, Mechanics, cohetes y demás. Supongo que no está mal inspirarse en el buen material.

Gaiman: No, está bien, y además de ahí suelen provenir sus ideas. Estoy seguro de que si alguna vez hubiesen querido realizar una película ingenua basada en Mechanics, bueno, habría sido en plan: "¡la peli trata sobre una niña valiente con una caja de herramientas! Es capaz de arreglarlo todo excepto el corazón." Deberían haber acudido a vosotros. Si quieren hacer esas películas deberían preguntaros primero.

Gilbert: Claro, al principio lo hicieron.

Jaime: Al principio nos llamaron, nos invitaron a comer, vinieron y desplegaron toda la parafernalia. Más o menos la mitad de ellos nos dijeron: "No sé qué demonios es Love and Rockets, pero estamos seguros de que queremos hacer algo con ese concepto". La otra mitad nos aseguraron: "Nos encanta el cómic, así que hemos intentando hablar con los jefazos, y les hemos dicho que podría ser una buena película porque creemos que lo va a ser." Durante un tiempo incluso llegué a creer que les gustaba de verdad y que podríamos hacer la película, un proyecto pequeño... pero nunca terminaban de decirte que antes tenían que aprobar las cosas cincuenta personas que estaban por encima, y ya sabes lo que suele ocurrir cuando las cosas son de esa forma. Así que estuvimos aguantando durante unos años, hasta que empezamos a cortarles desde el principio y les decíamos que fueran al grano de una vez, y el resto de tiempo nos sentábamos a comer y nos aprovechábamos de su invitación...

Gilbert: Asintiendo y sonriendo.

Jaime: Mientras pensábamos: "Jo, tío, ¡qué ganas tengo de largarme de aquí!"
Gilbert: Para ser justos, tampoco es que nosotros estuviésemos seguros de querer que Love and Rockets se convirtiese en una película. Fue justo entonces cuando surgieron más problemas. Sabíamos bien cómo no queríamos que fuese: de calidad inferior, como esos pedazos de basura que Hollywood suele estrenar cien veces al año. Así que nos dijimos: "¿Qué es lo que queremos en realidad?" Bien, pues lo que queríamos cuando empezamos el comic book: algo personal, con personajes con los que se pueda identificar el público... Y obviamente, Hollywood no estaba demasiado interesado.

Gaiman: Es lo que menos entiendo de este país. Parece como si pudiéseis hacer lo que se os antoje, porque al final encontrará su público, pero...

Gilbert: Supongo que eso quiere decir que claro que en algún momento habrá una película de Love and Rockets, y será de imagen real. Ya hemos escrito el guión. Si alguna vez esta película no se hace, será porque nos hemos rendido.

Gaiman: Habéis acabado de escribir el guión.

Gilbert: En gran parte. Todavía hay que rematarlo un poco, que sea más fluido ¡va a ser la sexta revisión! [Risas.] 

Gaiman: ¿Es un guión donde aparecen Maggie y Hopey?

Gilbert: Es un guión sobre Love and Rockets, los dos mundos.

Gaiman: Bien. ¿Está esperando alguien ese guión?

Gilbert: No, eres una de las pocas personas a la que se lo hemos dicho, porque queríamos tener la menor influencia externa posible, y tampoco queríamos que cambiase nuestra idea de la película. En el pasado intentamos hacerla al estilo Hollywood, y si quieres hacerla de esa forma, tienes que aceptar un compromiso detrás de otro, y al final acaba siendo un desastre. Todo esto nos ocurrió antes de que hubiésemos escrito el guión. Ahora podemos negociar con uno que no queremos modificar.

Gaiman: Así que se terminará haciendo.

Gilbert: Si. Cualquiera que se parezca a Maggie o Luba, que empiece a enviarnos sus currículums a... Nos gustaría dirigirla. Confiamos en que podemos hacerlo. Con la tecnología y los medios que hay ahora...

Gaiman: ¿La váis a financiar vosotros?

Gilbert: Hemos estado trabajando con alguien más, un productor y un colega suyo que serán los que hagan el trabajo sucio.

Gaiman: ¿Sabéis cuándo va a empezar el proyecto?

Gilbert: Nos gustaría que hubiese algo en firme para el próximo año, pero, ¿quién sabe qué va a pasar hasta entonces? No sé cuánto tiempo lleva conseguir la financiación.

Jaime: Si, no sé nada sobre el tema. ¡Pero sé que estamos listos!

Gaiman: De acuerdo. Dejadme preguntaros otra cosa. Habéis hecho el cómic, que es extraordinario. ¿Por qué hacer una película?

Jaime: Porque nuestras vidas se basan en crear cómics, rock n´roll y películas.

Gilbert: ¡Este el cúlmen, Neil! [Risas.]


(Finalizará)

lunes, 29 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #17


Various - Killed By Death #17
(Redrum Records (KBD), 1997)

A1-The Mad - Eye Ball
A2-Mentally Ill - Padded Cell
A3-Shirkers - Suicide
A4-Max Load - X-Road
A5-Normals - Hardcore
A6-Victims - Annette
A7-Maids - I Do I Do
A8-Reactors - I Am A Reactor
B1-Count Vertigo - I'm A Mutant
B2-Destry Hampton & The Wolves From Hell - Angel Of Madness
B3-Chain Gang - Cannibal Him
B4-Stimulators - Run Run Run
B5-Mary Monday - Pop Gun
B6-Vores - Get Outta My Way
B7-Shock - I Wanna Be Spoiled
B8-Active Dog - Good Filthy Fun

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viernes, 26 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #16


Various - Killed By Death #16
(Redrum Records, 1996)

A–The Blank - (We're) Prisoners / Easy Cheap Or Free / Hillsdale Whore / Somebody Else / Rave It Up / All American Wet Dream / Cancer Queen / Louie Louie (Instrumental) / Raw Power /
B1-The Blank - The Witch
B2-The Blank - Wild Thing
B3-The Blank - No Fun
B4-The Blank - Heroin
B5-The Blank - Two Other People
B6-The Blank - Raw Power
B7-The Junior Executives - Milo Buylow*
B8-The Junior Executives - (Locked Out Of The) Executive Washroom
B9-Michael Lucas - Tearing Me Apart

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jueves, 25 de agosto de 2016

LOST IN TRANSLATION: MOTO HAGIO (5 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 252 (2003). Traducido por Frog2000. Parte 1parte 2parte 3, parte 4.

Una buena comparación podría ser la técnica de "corriente de conciencia" literaria, aunque en las páginas de los cómics recuerda más a un rompecabezas que al rápido flujo enarbolado por Joyce o Woolf. Hagio agarra emociones únicas, momentos y sueños de profunda introspección, y los dibuja de una forma que le permite al lector explorarlos, perderse en sus composiciones de página. En lugar de fragmentar las emociones en varias viñetas de una forma analítica, Hagio le ofrece al lector algo que se aproxima al suceso en sí, aunque dicho suceso tampoco fomente una reflexión distanciada sobre las emociones que se producen, sino que supone la aceptación voluntaria de las mismas. Su técnica se encuentra desnuda de contenido emocional, y para el lector sensitivo resulta bastante efectiva.

Hagio no solo permite que su imaginación visual vuele a grandes alturas, sino que es capaz de inventar un sistema de códigos para cada emoción expuesta por los personajes. A partir de entonces dichos códigos han sido estandarizados en el shojo manga. Algunos códigos son bastante obvios, y en manos menos hábiles apestarían como una alcantarilla, especialmente cuando se utilizan alas de ángeles o pétalos de rosas. Desafortunadamente, hoy en día el medio se encuentra plagado de artistas que sacan a relucir estos códigos una y otra vez sin parecer merecérselo. Sin embargo, su utilización por parte de Hagio está repleta de toda la energía potenciada que enarbola quien hace descubrimientos novedosos. Algunas de sus metáforas visuales, como el dibujo de Erich asaeteado por flechas, poseen una poderosa fuerza visual. Cuando utiliza los códigos más obvios como las alas de los ángeles, lo hace porque la historia lo requiere. Yuri ve a los demás como ángeles, no solo porque suela quedarse ensimismado, sino porque también está dándole vueltas al sacerdocio. Hagio trata sus reflexiones y cábalas con sensibilidad mientras va entretejiendo la imaginería de Christian a lo largo del telar compuesto por la narración. En una de las primeras escenas, Yuri huye de Oscar a través de una puerta arqueada con dos cruces. En la siguiente página, toda la iglesia parece agitarse en una viñeta vagamente esbozada. Ambas imágenes subrayan la importancia que tiene la Iglesia para Yuri, mientras que además nos muestran el amplio abanico de estrategias narrativas que Hagio es capaz de utilizar. 

A lo largo de la obra el artista emplea técnicas narrativas tan sutiles como dramáticas. Como suele ocurrir con muchos otros artistas del shojo, a menudo se apoya más en la segunda opción, como cuando Yuri, visiblemente alterado, se esconde de un temerario Oscar. En la viñeta, el esbozo que Hagio hace de Yuri, un cuerpo apenas esbozado, contrasta fuertemente con el profundo y oscurísimo uniforme escolar de Oscar. Sin embargo, Hagio también emplea otros efectos más sutiles. Cuando Yuri escapa del enfurecido Oscar, Hagio inclina tremendamente la escalera, logrando así que la imagen viole todas las leyes de la perspectiva, y haciendo que el descenso de Yuri parezca mucho más frenético. Al emplear técnicas casi imperceptibles como la anterior, Hagio logra enfatizar la vida interior de sus personajes a través de las estancias y ambientes que los rodean. Es una falacia patética: las emociones suelen ser las que crean el ambiente y no al revés. En su lugar, las emociones honestas y directas de estos personajes dominan el tono de Thomas. A lo largo de la obra Hagio le dedica una delicada atención a las reacciones de Yuri ante la aparición de Erich, o a los sentimientos ocultados por Oscar. Resulta difícil imaginar que existan chavales tan sensibles en la realidad, pero podría haberlos, especialmente si fuesen reemplazados por las criaturas idealizadas y andróginas del shojo manga. De hecho, Hagio juega continuamente con el hecho de llevar a cabo este tipo de sustitución a lo largo de toda su obra. Las historias de A, A´ se centran en personas que han perdido a alguien tan solo para que otro aparezca para reemplazarlo. El mismo proceso se apodera de Yuri, aunque su sustituto, Thomas, se resista a ser comparado con su predecesor fallecido. Al centrarse en cómo los amantes van encontrando nuevos objetos que colmen su deseo, Hagio se topa una de las certezas de dicho movimiento afectivo: que esos nuevos amantes existen por sí mismos, no son objetos, por lo que el amor se termina convirtiendo en atracción. Se parece mucho al amor cortés de la Época Medieval europea, y Hagio explora a fondo este territorio con sus fervorosos y vulnerables personajes. Puede que el amor abstracto tenga poco que ver con las relaciones reales, pero no obstante conforma un gran conjunto de reglas muy adecuadas para la creación artística, y lo artístico ha continuado siendo vital desde que Hagio y sus compañeros artistas de los "49ers" crearan este género hace treinta años.

miércoles, 24 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #15.5


Various - Killed By Death #15 1/2 (Raw Rare Punk Rock 78-81)
(Bootleg, 1998)

A1-Vains - The Fake
A2-Crap Detectors - Intellectual Morons
A3-Plastic Idols - Sophistication
A4-Plugz - Let Go
A5-Matt Gimmick - Rag
A6-Shitdogs - Calling Dr. Modo
A7-Panics - Drugs Are For Thugs
A8-Shell Shock - Execution Time
A9-Stiphnoyds - Meat Is Rotten
B1-Controllers - Do The Uganda
B2-Wayward Youth - Do You Wanna
B3-Subverts - Can't Control Myself
B4-Psycotic Pineapple - I Want Her So Bad
B5-Snuky Tate - High Hope's
B6-Brainiacs - Don't Tell Me Why
B7-Lepers - Cops
B8-Sadonation - Johnny Paranoid
B9-Dow Jones & Industrials - Ladies With Appliances

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martes, 23 de agosto de 2016

LOST IN TRANSLATION: MOTO HAGIO (4 DE 5)


Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 252 (2003). Traducido por Frog2000. Parte 1parte 2, parte 3.

TOMA NO SHINZO
(THE HEART OF THOMAS)

The Heart of Thomas, la obra maestra de Hagio, transciende las ataduras de género aunque también sea capaz de dejarlas asentadas. En 1974 Hagio expandió su "The November Gymnasium" en este relato maestro, una historia recogida en un tomo shonen ai de 450 páginas a la que no le asusta dejar en primer plano las intensas emociones propias de la adolescencia. Situada en un internado alemán, la historia presenta al lector a dos jóvenes chicos, Yuri y Oscar, que han perdido a uno de sus compañeros de cuarto, Thomas Werner. Thomas estaba enamorado de Yuri, pero cuando Yuri lo rechazó Thomas se suicidó arrojándose a las vías del tren. A diferencia de Anna Karenina, que se lanzó desde el andén de la estación, Thomas saltó desde un puente. La adolescencia no suele ser sutil.

Días más tarde Yuri se encuentra mirando más allá de las vallas de la institución y le parece ver a Thomas. Probablemente será una alucinación, ya que Yuri ha soñado más veces con él y posee una extremada sensibilidad que irá acrecentándose según la historia vaya progresando. Pero no es Thomas, sino Erich, el nuevo chico recién llegado a la ciudad que se parece tanto a Thomas que algunos compañeros que se encuentran jugando al fútbol dejan de jugar mientras se le quedan mirando totalmente embobados. A partir de ese momento, Hagio irá retorciendo ampliamente la sensual historia, recorriendo toda la gama de emociones adolescentes y sin miedo a mezclar comedia y tragedia, examinando inquebrantablemente el a veces confuso y otras doloroso mundo de la sexualidad adolescente. 

El argumento trata tanto sobre la violencia sexual como la amorosa. Como si fuesen chicos de verdad, la primera vez que aparecen los tres personajes principales se revelan demasiado sencillos, tan solo para ir creciendo en complejidad en cada escena. Como les ocurre a muchos chavales, también ellos llegarán a sentir una creciente tristeza de juventud. De igual forma, su inocencia ante la vida también les hará sufrir. Los padres de Erich y Oscar están distanciados de sus hijos, mientras que Yuri rechaza tener incluso el menor atisbo de intimidad con sus compañeros, en su lugar parece querer seguir castigándose por algún motivo que finalmente terminará revelándose. El suicidio de Thomas tiñe toda la obra desde la primera página. La historia remarca las vivencias de estos tres (¿cuatro?) personajes mientras sus relaciones van entrelazándose y evolucionando. Oscar intentará vigilar a Yuri, que se encuentra completamente afligido, aunque por lo que parece no es por Thomas. Mientras tanto, las reacciones enfurecidas de Erich ante las constantes comparaciones con Thomas funcionarán como catalizador de las confrontaciones emocionales del clímax de la obra. El argumento se apoya en Dickens, pero no por su complejidad sino por la utilización del melodrama: abundan los personajes parecidos entre sí, los amores ocultos y las coincidencias tan afortunadas como trágicas. Melodrama podría ser una palabra bastante sucia para describir la obra, pero yo nunca utilizo la censura. La cuestión principal es si Hagio consigue realizar una obra certera. Lo hace, con toda la energía y franqueza que demanda la adolescencia. 

Las emociones tan complejas como a menudo ampulosas de la adolescencia sufren el tratamiento completo propio del shojo en cada página. Al hacerlo, hasta cierto punto la autora inventa un nuevo idioma para un campo inexplorado. Además, Hagio decide dejar de utilizar los bocetos y dibujos tradicionales. En su lugar permite que las imágenes, palabras y símbolos fluyan entre ellos. Uno de los rasgos más gloriosos de este nuevo idioma que llevan a cabo los mejores practicantes del género es su alegre desprecio por el orden.

(Continuará)

lunes, 22 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #14


Various - Killed By Death #14
(Redrum Records (KBD), 1998)

A1-Jimmy Smack - The Scarlet Beast
A2-Opus - The Atrocity
A3-Mirrors - Mirrors
A4-Jimi Lalumia & The Psychotic Frogs - Eleanor Rigby
A5-Vomit Visions - Someone
A6-Plastic Idols - Uncircumcised Twin
A7-Widows - Overscrupulous
A8-Wetnurse (2) - Bar Wars
A9-Mecano Ltd - Face Cover Face
A10-Lost Generation - Never Work
B1-Reactors - I Want Sex
B2-Railbirds - Go To Hell
B3-Vom - Punkmobile
B4-Feederz - Stop You're Killing Me
B5-Puncture - Mucky Pup
B6-Stoned - Nazi
B7-Nuclear Crayons - Outsider
B8-Starshooter - Quelle Crise Baby
B9-Vomit Visions - Punks Are The Old Farts Of Today
B10-Rock Bottom & The Spys  - Rich Girl
B11-Rock Bottom & The Spys - No Good

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viernes, 19 de agosto de 2016

LOST IN TRANSLATION: MOTO HAGIO (3 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 252 (2003). Traducido por Frog2000. Parte 1, parte 2.

THEY WERE ELEVEN
(Cuatro historias de shojo, Viz/ Flower Comics)

Esta historia de ciencia ficción, también disponible en una adaptación de anime competente y fiel realizada por Central Park Media, ganó el Shogakukan Manga Award en 1976. En muchos sentidos podríamos se podría catalogar como la historia de ciencia ficción quinta-esencial de Hagio, porque recoge gran parte de sus temáticas habituales, incluyendo la fluidez entre géneros y el duro camino que los protagonistas han de recorrer para alcanzar la madurez. Como ocurre con muchas de sus historias, Eleven se centra en un grupo de personas que se encuentran en un momento en el que están dejando atrás la adolescencia en su camino hacia la vida adulta. Para ello, sus diez protagonistas han de afrontar una última prueba antes de graduarse en una academia intergaláctica. Dicho test requiere que sean capaces de sobrevivir en una estación espacial en la que son abandonados a su suerte para que se las arreglen por sí mismos durante 45 días. Tras su llegada se percatarán de que hay demasiados estudiantes que nunca han logrado abandonar la estación. Su confusión se convierte rápidamente en sospecha, generándose un ambiente no demasiado propicio para la cooperación. 

Esta historia supone el epítome del estilo único de Hagio, funcionando como una biblia fundamental de los conceptos básicos del shojo. En la obra, Hagio los recorre todos: el monólogo interior, los fondos expresionistas, la imaginería melancólica. Lo más sorprendente de la historia, en especial para aquellos que hayan visto primero la versión fílmica, es la soltura con la que dibuja Hagio. Clásicamente, los anime suelen apoyarse en trazos bien definidos subrayados por delgadas líneas, y la película de Osamu Dezaki sigue esta regla a rajatabla. Sin embargo, el cómic original de Hagio obvia todos esos parámetros mediante la distorsión radical de los diseños de personajes y escenarios cuando la situación lo requiere. Es habitual que la autora reemplace la maquinaria de los fondos por pétalos florales cuando dicho reemplazo ayude al lector a comprender los sentimientos del personaje. Más asombroso aún resulta que Hagio utilice a menudo los límites de la viñeta sugiriéndolos vaporosamente en lugar de dibujar una estricta caja que encierre un momento determinado en el tiempo. Tanto para ella como para muchos de sus descendientes, la viñeta puede fragmentarse no solo en el tiempo, sino también en el espacio, o incluso servir como nada más que como una parte decorativa de una composición mayor. De hecho, en los montajes de una página que mejor definen al estilo shojo, dichas "viñetas" no suelen separar nada, sino que sirven como líneas de recorrido que guían el ojo del lector a lo largo de una composición unitaria a toda página. 

Tan sólo existen unos pocos artistas en el cómic que hayan intentado crear una historia utilizando nada más que composiciones a toda página, entre ellos Lynd Ward, Franz Masereel y más recientemente Nick Bertozzi en el "Mt Fuji" de Rosetta. Mientras que todas estas historietas tienen mucho más que ver con la pintura narrativa que con los cómics, las complejas páginas de Hagio navegan entre ambos mundos. De hecho, podría incluso atreverme a decir que los montajes de Hagio desbaratan la característica propia de "arte secuencial" de los cómics, incluso cuando pertenecen a una narrativa más larga repartida a lo largo de pequeñas viñetas. Estas páginas terminan rompiendo la rápida sucesión temporal de la historia, forzando al lector a comulgar con los momentos de reposo de los personajes. Gracias a ellas la historia se hace menos lineal y se parece menos a la ciencia ficción habitual. Dado que They Were Eleven gira alrededor de Frol, un alienígena andrógino de género más bien voluble, dichas fragmentaciones resultan casi necesarias para el lector no iniciado.
A, A´ (A, A Prime)
(Viz)

A, A´ es la única obra editada en un solo tomo en idioma inglés de Hagio y cubre un terreno que debería resultarle familiar a los fans de Solaris, ya sea la versión de Lem, la de Tarkovsky o la de Soderbergh. La historia nos habla sobre un hombre al que se le aparece su esposa fallecida. En un principio parece como si ella hubiese resucitado, pero pronto nos daremos cuenta de la verdad. Su forma de regresar tiene un significado diferente para cada uno de los tres artistas, tanto en el campo metafísico como en el existencial. Sin embargo, Hagio no se preocupa mucho de responder estas preguntas. En su lugar, en la primera historia reúne a los amantes mediante la clonación, y en la segunda mediante la aparición de alguien que tiene un aspecto similar. A la autora le preocupa mucho más la psicología de cada personaje en lugar de la fascinación especulativa que ofrece la ciencia ficción. 

De hecho, a menudo Hagio utiliza la ciencia ficción como simple trasfondo de la historia. Por ejemplo, el escenario básico de Eleven podría tener lugar en un portaviones abandonado propiedad de la Marina en lugar de en la Cosmo-Academia. Por no decir que sus personajes alienígenas no difieren mucho de los seres humanos, ni en su apariencia ni en cuanto a su comprensión de los acontecimientos, incluso aunque a veces Hagio les otorgue una perspicacia de la que cualquier humano normal no sería jamás capaz de hacer gala. Por ejemplo, la biología única de Frol no lo distancia mucho de ser uno de los típicos hombres andróginos de Hagio. Comparado con Dr. Who, donde aparecen alienígenas que tienen aspecto de personas disfrazadas con un traje de caucho, Hagio es capaz de dibujar a sus aliens tal y como requiere la historia. Al elegir humanoides bípedos se apresura en subrayar que psicológicamente todos ellos son demasiado humanos. No la hace falta chapotear en fantasías sobre razas alienígenas, ya tiene suficiente con tratar con la gente que la rodea. Sospecho que su utilización del género dice mucho más sobre el propio mercado que sobre su deseo de explorar la ciencia ficción.

La ciencia ficción de estas historias nos presenta a los Unicornios, una raza de humanoides genéticamente diseñados para desenvolverse perfectamente en el Espacio. En un principio son seres más racionales que emocionales. Resulta una obvia metáfora sobre la alienación, ya que los Unicornios, como les ocurre a muchos adolescentes, son torpes socialmente y encuentran incómodas las relaciones porque son incapaces de articular lo que sienten. Los argumentos románticos de estas historias están basados en dicha alienación y consisten en el enamoramiento de dos personas alienadas (o alienígenas). La historia del título sigue los pasos de un romance heterosexual que tiene lugar en una distante estación del sistema estelar Próxima Centauri. Cuando uno de los dos amantes fallece, llegará a la estación un clon para reemplazarlo, aunque sin los recuerdos del recientemente fallecido. "A, A" es el más flojo de los trabajos traducidos de la autora, porque se preocupa bastante poco de las reverberaciones emocionales y presta poca atención a nuestra suspensión de la credulidad: ¿por qué estas naves tripuladas por un clon se encuentran cruzando el espacio? ¿por qué se patina sobre el hielo en un planeta alienígena sin una soga de seguridad? ¿Por qué los científicos muestran sus sentimientos de forma tan articulada? Tal y como acaba resultando, la historia parece una de ciencia ficción a medio cocinar. 

La narración más larga del tomo es mucho mejor, porque permite que los personajes evolucionen y cambien. Además resulta bastante inquietante. La protagonista, Mori, se enamora de un chico Unicornio, mientras que a él Mori le recuerda una chica de la que una vez estuvo enamorado. Claro que Mori es poco profunda, pero también es capaz de reflexionar arduamente sobre su situación. Mientras tanto, Hagio va imbricando en la trama los suficientes giros de género como para superar los que aparecían en "Todo sobre mi madre" de Almodóvar. Más aún, la protagonista los asume sin problemas sin percatarse de la ironía auto-consciente que suponen. El producto final es tan formalmente bizarro que no se puede comparar con ningún otro. Si no descartas el estilo de Hagio desde el primer momento, te encontrarás con un universo donde las reglas funcionan de forma completamente diferente. Y ni siquiera las historias de estos dos títulos son la parte más interesante de dicho universo, porque los trabajos donde aparecen aún no han sido traducidos. Hay uno en particular que debería ser trasladado a nuestro idioma con urgencia.

(Continuará)

jueves, 18 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #13


Various ‎-Killed By Death #13
(Redrum Records (KBD), 1993)

A1-Snot Puppies - TV Tantrum
A2-Snot Puppies - Towel Song
A3-The Blowdriers - Berkeley Farms
A4 - Castration Squad - The X Girlfriend
A5-Fried Abortions -  Joel Selvin
A6-The Screamers - If I Can't Have What I Want
A7-The Feederz - Peter Gunn Theme
A8-Naked Lady Wrestlers - William Tell Overture
A9-Wasp Women - Kill Me / I Don't Need Your Attitude
B1-Tarts - Terminal Romance
B2-Tarts - All The Girls In The World
B3-Tarts - Disposable Girl
B4-Der Stab - Tracers
B5-Der Stab - It's Gray
B6-Citizen Fear - We Need Another Vietnam
B7-Inverted Triangle - White Night Riot
B8-Tanks - Manifest Destiny

AQUI.

miércoles, 17 de agosto de 2016

LOST IN TRANSLATION: MOTO HAGIO (2 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 252 (2003). Traducido por Frog2000. Parte 1

ANTROPOLOGÍA 101: UNA DISGRESIÓN

Después de las primeras historias de Hagio de "chico encuentra chico", los cómics para chicas tuvieron licencia para juguetear rápida y libremente con el género. Este tipo de historias ha ido evolucionando hasta terminar convirtiéndose en algo fascinante, aunque su éxito entre chicas adolescentes resulte difícil de entender. Las historias de amor de sexualidad ambigua o abiertamente gay se aposentan confortablemente cerca de los romances heterosexuales, y los dojinshi (fanzines) suelen apropiarse de los personajes más populares para reformularlos como amantes gays. El género más extremo en la actualidad es el que se conoce como yaoi, un acrónimo de la frase japonesa "yama nashi, ochi nashi, imi nashi", que significa "sin clímax, ni resolución, ni significado". Se llama así porque enfatiza los aspectos sexuales y violentos en detrimento de los argumentos y los personajes. Un acrónimo alternativo significaría "yamete! oshiri ga itai," que quiere decir "¡para! ¡que me duele el culo!". Estos cómics son por lo general explotaciones en plan slasher de las relaciones gays y son conocidos por su extrema violencia y sexualidad explícita, bastante alejadas de las obras sensibles y sentimentales de Hagio. Principalmente basan su existencia en la "efectividad" con la que sean capaces de representar el sexo de forma violenta. 

Para el lector occidental, todo este estilo puede dar la impresión de ser un puzzle. Mientras que gracias a su amplitud, a menudo el manga se ha comparado con la televisión, los homosexuales más famosos que aparecen en la televisión norteamericana son los que protagonizan Will and Grace. Para añadir mayor confusión, la homosexualidad está mucho menos aceptada en Japón que en los Estados Unidos más urbanos. Aunque se pueden encontrar algunas comunidades homosexuales en las afueras de las grandes ciudades, algunos hombres permanecen encerrados en el armario durante toda su vida, quizá incluso llegándose a casar mientras prosiguen en secreto con su verdadero interés romántico. Más aún, aunque la sociedad japonesa no demuestre el fanatismo homofóbico que de forma tan habitual parece que nos encontramos en Estados Unidos, eso no significa que comprendan demasiado bien la homosexualidad: cuando un amigo mío llegó a Japón, me dijo que la mayoría de la gente le comentó que sería capaz de superarlo pronto. 

Sabiendo esto, podría resultar tentador observar la frecuencia con la que aparecen las historias de amor homosexual en los cómics para chicas como otra extraña y divertida peculiaridad japonesa: "estos locos japoneses que siempre están inclinándose y comiendo pescado crudo". Después de todo, ¿por qué debería un país que en su mayor parte no acepta el estilo de vida homosexual aceptar este tipo de historias? En efecto, los medios mainstream americanos:

-el más importante, el New York Times,
-les encanta caricaturizar la cultura japonesa,

desde las novedosas historias de extravagante perversión sexual (haciéndolas pasar como la norma que rige al resto), hasta traducir de manera determinada Iron Chef, consiguiendo de esa forma que las mujeres japonesas parezcan tontitas cachondas.

Lo admito, a veces Japón puede parecer una retorcida parodia de la cultura americana a los ojos de cualquier occidental (¡incluso han construido una réplica de la Estatua de la Libertad en la bahía de Tokyo, por el amor de dios!) Pero la increíble y estúpida forma de mirar de los observadores occidentales a menudo dice más sobre ellos mismos que sobre Japón. 

En cuanto a la pregunta de por qué estos cómics disfrutan de una popularidad masiva, en realidad es una que no soy capaz de responder. Lo que más me interesa del estudio del manga tiene un sesgo estético, no etnográfico. Al menos sé que se han formulado varias explicaciones, entre las mismas la idea de que las chicas adolescentes utilizan estos cómics como una forma de explorar la sexualidad sin sentirse amenazadas gracias a que las historias carecen de personajes femeninos. Otra idea es la de que las historias suponen una clase única y especial de escapismo. Como la cultura japonesa tiene unos estándares de comportamiento muy específicos para cada situación y edad, el adolescente que tiene que esforzarse por escapar de una infancia donde puede hacer lo que quiera hacia un período adulto estricto, puede de esta forma fantasear sobre ser otra persona diferente. El amor prohibido como escapismo siempre ha funcionado muy bien. Como el amor homosexual está todavía más prohibido, las historias redoblan sus aventuras y escarceos por diez. Ambas explicaciones me parecen adecuadas, pero tan solo me considero un humilde esteticista.

Afortunadamente, un número cada vez mayor de antropólogos han empezado a echar un vistazo más serio al manga shojo. Entre ellos, el académico que más claramente podemos identificar como estudioso del medio es Matt Thorn. De hecho se ha ganado el derecho a ser llamado "el más preeminente embajador del estilo shojo". Antropólogo cultural del departamento de dibujos animados y cómic de la Universidad Seika de Kyoto, al trabajo académico de Thorn hay que añadirle la traducción que ha realizado de varios tomos de shojo para Viz. En su obra de investigación observamos que se acerca a su sujeto de estudio con celo genuino en lugar de hacer gala de ese racionalismo estrictamente antiséptico y sin vida que ha infectado el pensamiento académico en la actualidad. De hecho, fue el Thomas de Hagio el que hizo que Thorn comenzara a estudiar el shojo. En sus investigaciones del medio, el académico ha optado por dar respuestas sencillas a todas las preguntas, y por subrayar las variadas formas en que los lectores interpretan la lectura de su manga favorito, ya sea como simple válvula de escape o como una exploración sexual más compleja. Ninguna respuesta parece ser la definitiva. Porque la verdad es mucho más compleja de lo que parece.

Volviendo sobre la obra de Hagio, todas estas explicaciones demuestran que su obra se puede leer de formas bastante diferentes por lectores dispares, por no hablar sobre cómo las diferentes culturas juveniles podrían interpretar su lectura. Por otro lado, me parece que los homosexuales de Hagio son bastante estériles; en otras palabras, no son exactamente criaturas cárnicas listas para la acción y para cubrirse de sudor haciendo el amor. En su lugar representan el amor idealizado, uno que tiene varios matices y significados que para el neófito no resultará evidente de forma inmediata. Cualquiera podría leerse las historias y relatos de género shonen ai de Hagio tomándoselas de forma legítima como una vuelta de tuerca más sobre la temática del amor por encima de todo que suele aparecer en los cómics para chicas. O se las podría tomar en sentido literal. Este medio cultural soporta ambas lecturas, al igual que ocurre en la narrativa.

VOLVAMOS CON HAGIO

En su obra, Hagio ha tocado casi todas las variaciones concebibles de la fórmula shonen ai. Lo cuál no quiere decir que suela repetirse. La autora también ha intentado tocar otros palos como el terror, la ciencia ficción y la fantasía mientras ha seguido adelante con su estilizado toque propio de realismo. Por ejemplo, Po no Ichizoku (The Poe Clan) consiste en una serie de historias cortas que tratan sobre una familia de vampiros. Por otro lado, el serial de cinco tomos Marginal explora un escenario de ciencia ficción en el que las mujeres ya no existen en la Tierra y los hombres están siendo controlados por una raza alienígena sin saberlo. Mientras que estas series y muchas otras obras de ciencia ficción parecen estar desarrolladas de forma más próxima a lo científico, Hagio también ha adaptado varias historias cortas de Ray Bradbury.

Además, Hagio ha explorado lo bizarro, como ocurre en su historia "Hanshin", donde se nos cuenta la vida de dos hermanos siameses unidos. Uno es bello, el otro repulsivo. Sufriendo una vida miserable por culpa de su unión, los hermanos serán separados quirúrgicamente y terminarán cambiando sus respectivas apariencias. Cuando el siamés guapo se marchite hasta quedarse en nada, el feo se metamorfoseará hasta terminar pareciéndose exactamente a su hermano. Hagio incluso abordará el amor heterosexual en obras como Flower Festival (1989), en donde una aspirante a bailarina se enamora de varios chicos, historia que se parece mucho más a lo que los occidentales se esperan que sea tradicionalmente un cómic "para chicas". El hilo conductor de todas estas diversas obras es el influyente estilo artístico y la narrativa propia de Hagio, dependiente de los monólogos interiores, y los complejos y expresionistas diseños de página. En otras palabras: la autora tiene un estilo propio y único. Después de todos, su obra recopilada alcanza los treinta volúmenes y aún sigue siendo publicada en la actualidad. Por fortuna, una minúscula porción de esa obra ha sido traducida competentemente al inglés por Matt Thorn. El primer trabajo que ha aparecido en nuestro mercado ha sido They Were Eleven.

(Continuará)

martes, 16 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #12


Various - Killed By Death #12
(Redrum Records (KBD), 1996)

A1-Cardiac Kidz - Get Out
A2-Aryan Disgrace - Faggot In The Family
A3-Strike Under - Context
A4-Genral Foodz - Be So Funny
A5-Ebenezer & The Bludgeons - Weekend Nazi
A6-Cult Heroes - Amerikan Story
A7-Lizerds - Is It Late?
A8-Lubricants - Activated Energy
A9-Ground Zero - Nothing
A10-Injections - Lies
B1-Rejects - EEG
B2-Rejects - Barbed Wire Baby
B3-Meaty Buys - New Freedumb
B4-Silly Killers - Knife Manual
B5-Nubs - I Don't Need You
B6-Legionaire's Disease - Downtown
B7-Peer Pressure - Sounds Of The 80s
B8-Cheaters - Ice Man
B9-Stains - Feel Guilty
B10-Teenage PhDs - Punk Rock Is Dead

AQUI.

viernes, 12 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #11


Killed By Death #11 - The Frothy Shakes
(Redrum Records, ????)

A1-Sexy Fits - We Are All Frothy
A2-Orgy Poppers - Stay In Shape With The Orgy Poppers
A3-Baby Rattlers - Ladies Home Journal
B1-The Frothy Shakes - Sad Clown
B2-The Frothy Shakes - Pickup Truck
B3-The Frothy Shakes - Benzene
B4-Fatty Brats - ZTT
B5-Curly Fries - Don't Stand So Close To The Hemlock
B6-Horny Toads - Warsaw
B7-Gravy Trains - The Mysterious Mr. Kugelberg
B8-Betty Binns Ladies - Home Urinal
B9-Grumpy Winos - Get Up (And Lose It!)

AQUI.

jueves, 11 de agosto de 2016

LOST IN TRANSLATION: MOTO HAGIO (1 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 252 (2003). Traducido por Frog2000. 

"...a principios de Siglo... se notaba una especie de arriesgado silencio monacal en torno a la vaga pero esperanzada noción de una "nueva era" anunciada por Walt Whitman y Edward Carpenter, en la que se permitiría florecer el amor entre hombres, tal y como había ocurrido en Grecia, en el Japón medieval, en Persia, en Arabia y en otras culturas que habían tolerado y alentado lo que siempre había existido de forma furtiva o mediante cultos elitistas (durante el Renacimiento Inglés o el Italiano, entre la aristocracia británica y los intelectuales franceses), u ocultado de forma aguda en el arte y la literatura (Housman, Hopskins, Montherlant, Mann.)"

Guy Davenport, ""The Drawings of Paul Cadmus"

Cuando profundizamos en el manga siempre es posible que nos topemos (de nuevo) con Tezuka. En 1953 comenzó a crear una historia que engendró todo un subgénero, incluso aunque él mismo no fuese capaz de predecirlo en ese momento. Cuando empezó a editarse Ribon no Kishi [La Princesa Caballero] en la revista Shojo Club, dejó plantada la semilla del shojo manga tal y como lo conocemos hoy en día, el único género de los cómics escrito y dibujado por mujeres específicamente para un público femenino. Unos quince años después de los primeros pinitos de Tezuka, el género había evolucionado hasta abarcar historias shonen ai. En otras palabras, a partir de los setenta la mayoría de chicas japonesas crecieron leyendo historias sobre chicos que se enamoraban de otros chicos. Algo bastante alejado de Ana de las Tejas Verdes

Los cambios se habían empezado a producir gracias a artistas como Riyoko Ikeda, la autora de La Rosa de Versalles, y Yumiko Oshima, autora de Banana Bread Pudding. Pertenecían a una generación de artistas que ideaban historias sobre hombres que recordaban a gráciles y vistosas mujeres. Este grupo terminaría siendo conocido como el nijuuyonnen gumi o "Grupo del Año 24", porque la mayoría habían nacido en el 24º año de la Era Showa. La reformulación más sencilla en inglés sería llamarlos "los 49ers", ya que Showa 24 significa 1949. Su ascensión cambiaría el aspecto del medio. Antes la mayoría de los cómics para chicas habían sido guionizados y dibujados exclusivamente por hombres, pero ahora sus autores eran en su mayoría mujeres, y como resultado se generó una esfera única de expresión femenina sin parangón en cualquier medio. La mayoría de las artistas de esta generación revolucionaria siguen siendo artísticamente relevantes, pero quizá la mayor de todas sea Moto Hagio.

Hagio comenzó su carrera en 1969 a la edad de veinte años mediante la publicación de la historia "Lulu and Mimi" en Nakayoshi. Como ocurre con la mayoría de las primeras mangaka de su generación, la influencia de Tezuka permea sus primeros trabajos. Sin embargo, pronto empezó a desarrollar su propio estilo. Dos años después de su debut publicó "The November Gymansium", una historia corta que trataba abiertamente el amor homosexual entre dos estudiantes de un internado. Esa historia fue una de las muchas que se arriesgó a cruzar los límites, haciendo explícito lo que habitualmente parecía sugerirse sin llegar a asomar a la superficie en los cómics para chicas que se habían realizado hasta el momento. Tezuka les había cedido a esta generación la fuente de este material. Ribon no Kishi significa literalmente "Princesa Caballero", un título que transmite fuertemente su jugueteo con los géneros. La historia nos hablaba sobre una jovencita, Sapphire, que había nacido en una familia real que necesitaba desesperadamente un heredero varón. Terminarían educándola como un chico, incluso disfrazándola cuando resultase necesario. Descontenta con la suerte que le había tocado, la protagonista empezaba a vestirse con bonitos vestidos en secreto para parecer una chica como las demás. Como la historia es una fábula, al final Sapphire termina casándose con el Príncipe Encantador y viviendo con él como su mujer, incluso aunque el camino hasta dicha conclusión esté bastante plagado de momentos donde se hace evidente la confusión entre géneros.

Básicamente, lo que hizo Hagio fue literalizar los elementos fabuladores de la obra de Tezuka, transplantándolos al mundo real. Mientras que Tezuka hizo que su chica protagonista actuara como un falso hombre, Hagio hizo que sus chicos pareciesen adquirir el rol de mujer en su lugar. Estás técnicas de desdoblamiento de género tienen sus raíces en el teatro Takarazuka, donde un elenco compuesto completamente por mujeres representa obras absolutamente kitsch. En los cómics, la historia corta de Rumiko Takahashi titulada "Reserved Seat" de su antología One or Double nos pueden dar una idea de cómo son dichas obras. La descripción más rápida del teatro Takarazuka es que las mujeres interpretan a a hombres que mantienen un romance con mujeres que interpretan a mujeres. A menudo la madre de Tezuka lo llevaba de niño a presenciar dichas representaciones. Estas obras han sido citadas a menudo como una fuente de inspiración en el momento de crear Ribon no Kishi, así como también lo han sido para el conjunto del shojo manga. Además conecta el manga con la antiquísima tradición de desdoblamiento de género que puede encontrarse en la cultura japonesa, que se remonta a los actores travestidos del teatro Noh y Kabuki. Inspirado por todo esto, Tezuka escribió en un primer momento la historia de una joven travestida. Lo que importaba en las obras teatrales no era tanto la actuación de los intérpretes como la emoción que producía lo que estaban interpretando. En este terreno el mismo sexo se convierte en un acto indistinguible y fluido. Se convierte en un ideal, incluso en algo platónico. Hagio tomó dicho ideal y lo empezó a utilizar. Más tarde Keiko Takemiya lo arrojaría junto a un par de cuerpos y una cama en su propio prominente tomo Kaze to Ki no Uta, pero esa es otra historia.

(Continuará)

miércoles, 10 de agosto de 2016

KILLED BY DEATH #10, STERLING DEATH


Killed By Death #10, Sterling Death
(Redrum Records, 1996)

1-Vomit Pigs - Useless Eater
2-Tragics - Laughing Lover
3-Desendants - Unnational Anthem
4-63 Monroe - Hijack Victim
5-Executives - Jet Set
6-Grim Klone Band - Heat's Rising
7-Grim Klone Band - Jehovah's Witness
8-Cringe - Spit On Your Grave
9-Voodoo Idols - We Dig Nixon
10-Red Squares - Time Change
11-Gentlemen Of Horror - God Knows You By Name
12-Normals - Almost Ready
13-Discords - Dead Cubans
14-Trend - Band Aid
15-Count Vertigo - X-Patriots
16-Unnatural Axe - The Creeper
17-Skinnies - Out Of Order
18-Endtables - Circumcision
19-Sick And The Lame - Ate Days A Week

AQUI.

martes, 9 de agosto de 2016

HONEYMOON KILLERS EN DIRECTO


Live at CBGB April 1st, 1986 Live ! At The Marquee NYC MAXWELLS 1991- poor quality very rare clip

lunes, 8 de agosto de 2016

FEEL LUCKY PUNK?!!


Various ‎– Feel Lucky Punk?!!
(Gonzo Hate Binge Records, 1991)

1-Child Molesters - Hillside Strangler
2-Freestone - Bummer Bitch
3-Hollywood Squares - Hillside Strangler
4-Leftovers - I Only Panic When There's Nothing To Do
5-Lewd - Kill Yourself
6-Mad - Disgusting
7-Mad - I Hate Music
8-Nasal Boys - Hot Love
9-Nervous Eaters - Just Head
10-Nervous Eaters - Get Stuffed
11-News - Tell Me Why
12-Psycho Surgeons - Horizontal Action
13-Queers - At The Mall
14-Queers - I Don't Wanna Work
15-Queers - I'm Useless
16-Queers - Kicked Out Of The Webelos
17-Queers - This Place Sucks
18-Rocks - Damn You
19-Rocks - Hanging On
20-Rocks - Kick Her Out
21-Unnatural Axe - They Saved Hitler's Brain
22-Violators - N.Y. Ripper

AQUI.

viernes, 5 de agosto de 2016

LOS SECRETOS DEL CULTO AL DESNUDO: ALAN MOORE RESPONDE A THE BEAT (PARTE 8 DE 8)

Entrevista en The Beat, 2016. Por Ann M Kletcha. Traducida por Frog2000. Parte 1parte 2parte 3parte 4parte 5parte 6, parte 7.

Pregunta #9: ¿Escribes con una pluma estilográfica concreta o dispones de algunos utensilios especiales para hacerlo? ¿Tienes algún tipo favorito de pluma?

Alan Moore: Oh, querida... Lo que voy a decirte resultará ser una gran decepción, lo sé, y me gustaría tener el tiempo y la inspiración suficientes como para inventar un utensilio de escritura mítico digno de engrosar mi leyenda, algo como el martillo de Thor o el pack de seis latas marca Dioniso de Stella Artois o los “accesorios scout” de Pharrell Williams. Créeme, si pudiese hacerlo confesaría que he sido incapaz de escribir una sola palabra sin una afilada pluma extraída del último Archaeopteryx sumergida en el mismísimo negro y palpitante corazón de la tragedia, que es lo que me parece que sería el tipo de cosa que yo podría utilizar como tintero. Sin embargo, lo que tengo delante mío es una especie de escritorio adornado con un teflón color tarro de mermelada cercano a la silla donde me siento, y escribo con lo que aparentemente es un fabuloso cementerio de bolígrafos, lleno de los bolígrafos baratos y sin valor que se han ido arrastrando por todo el mundo hasta llegar aquí por medio de algún instinto primordial cuando ya no han podido seguir siendo ni lo más mínimamente útiles para hombre, bestia o incluso el más débil de los aprendices de poltergeist. Ese es el motivo por el que cada día de trabajo comienza con un bucle indefinidamente prolongado de impacientes sonidos de garabatos y la frase, "¡Oh, por el amor de Dios!" (Por supuesto, no todo el mundo me envía bolígrafos. También me han regalado plumas de primera, pero cuando lo han hecho me siento alternativamente pretencioso e intimidado. Una vez tuve en posesión una pluma estilográfica de Man from U.N.C.L.E. [El Agente de CIPOL, 1964] que disponía de cartuchos de tinta invisible y con la que pretendía ser un espía. Había cumplido veintiocho años.) Ahora bien, si hubiese sido un poco más moderno y hubiese estado más al día en tecnología tal y como generalmente suelo estar, es posible que me hubiese preguntado si quizá podría existir un teclado especial con el que me sintiese a gusto escribiendo, en cuyo caso esta respuesta hubiese sido mucho mejor. Estoy escribiendo esto en un teclado que Joe Brown me encontró hace un par de años. Hasta entonces he tenido cuatro o cinco de los más normalitos, de esos que parecían decir: "Oh, cuidado, somos demasiado delicados. Oh, no nos fundas parcialmente y nos llenes de pelos, drogas ni te desmayes sobre nosotros". Mi modelo actual es de acero inoxidable y está diseñado para ser utilizado en un entorno industrial, por lo que es seguro afirmar que sería capaz de soportar una lluvia de metal fundido o cenizas, y que además sería capaz de soportar la fuerza de los chorros de varias mangueras a presión combinadas. Si, puedes que ese no sea un problema que se plantee muy a menudo, pero nunca se sabe, ¿no es cierto? (Dicho sea de paso, esto último es totalmente cierto, aunque me doy cuenta de que mis continuas y fantasiosas ideas de olla y mentiras patológicas a lo Eddie Izzard pueden haber erosionado tu confianza en mi honestidad.) De todos modos, después de dos meses una o dos letras se han quedado pegadas, y una de las teclas shift ni siquiera responde. ¿Crees que el hecho de que me sienta orgulloso podría ser un signo de inmadurez?

Una fuente cercana al Sr. Moore añade: debería haberle enviado un bolígrafo por Navidad, pero he estado peleando con la idea de regalarle nada. Puedo dar fe de todo lo dicho anteriormente. Si no me falla la memoria, una vez incluso llegó a atravesar un teclado, al menos parcialmente, con uno de sus dedos... suele teclear con dos dedos y enfadarse un montón con las teclas. La próxima vez que me pase por Northampton debería grabar unos pocos segundos del sonido de su tecleo, porque me parece algo increíble.

Aunque originaria de Funafuti, en Tuvalu, Nana McCarthy Anne M Kletcha vive en Muiceanach idir Dhá Sháile, justo al lado de Bóthar na Scratóg, en la Camus Bay de Galway.

Cuando no está revisando su álbum de recortes, está pescando extraños peces para la cena, o escribiendo su libro, o hablando con compañeros literatos de todo el mundo a través de la maravilla de Internet. Nunca ha conocido a Alan Moore en persona, pero tiene planes de hacerlo. Claro que sí.

jueves, 4 de agosto de 2016

BLOODSTAINS ACROSS FRANCE


BLOODSTAINS ACROSS FRANCE
(digital bootleg)

1-BETONVIBRE - Ne me bassine pas avec ta tête de magazine, ton air libéré, ta gueule éclatée ça me déprime
2-BULLDOZER - J'suis Punk 
3-CALCINATOR - Billard
4-DELATEURS - Delateurs
5-EXTRABALLE - Haute Tension
6-GASOLINE - Radio Flic
7-LA CAME AUX DAMELIAS - La 5 ieme roue du Systeme
8-LES ABLETTES - Spontaneite
9-LES FELES - Mon Lycee
10-LOS GLORIES LOCALES - Catalogues
11-LES OLIVESTEINS - Euthanasie
12-LES OLIVESTEINS - Je Suis Negatif
13-LES SPURS - Je Suis Fiere de mon grand Pere
14-MARIE ET LES GARCONS - A Bout de Souffle
15-METAL URBAIN - Hysterie Collective
16-METAL URBAIN - Panik
17-OPERATION S - Delinquante
18-PLASTICHKE - Ca Gaze Pour Moi
19-PLASTICHKE - Un Coup j'te Vois, Un Coup J'te Vois Pas
20-STRYCHNINE - Ex-Box
21-THE NO TALENTS - A.M.O.U.R
22-THE NO TALENTS - QUELLE CRISE BETSY
23-THE SPLASH FOUR - Bunker
24-THE SPLASH FOUR - Faut Que Ca Saigne
25-THE SPLASH FOUR - Trop Peur
26-TV KILLERS - Cette Fille Au bar
27-TV KILLERS - Electrifie
28-TV KILLERS - il ne se passe rien
29-TV KILLERS - Sans Issue 

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miércoles, 3 de agosto de 2016

LOS SECRETOS DEL CULTO AL DESNUDO: ALAN MOORE RESPONDE A THE BEAT (PARTE 7 DE 8)

Entrevista en The Beat, 2016. Por Ann M. Kletcha. Traducida por Frog2000. Parte 1parte 2parte 3parte 4parte 5, parte 6.

Pregunta #8: Gracias a esta entrevista hemos descubierto que tienes una colección bastante buena de viejos discos de punk rock. Por lo tanto queremos preguntarte cuál era tu banda favorita, y cómo te explicas el continuo atractivo de un período musical que parecía estar destinado a ser un gruñido temporal en el stablishment cultural?

Alan Moore: Puesto que ya he mencionado que no soy capaz de tener un favorito significativo por mucho que me presionen, me temo que probablemente vas a tener que aguantar toda una lista inconexa y amnésica de las bandas y los discos que recuerdo con más cariño. También tendrás que aceptar que nunca me he molestado en hacer distinciones entre punk y new wave: si una banda o un artista concretos aparecieron en un momento determinado, yo me preocupaba por los mismos, independientemente de cómo los hubiesen etiquetado. Lo que más me preocupaba era que me resultaran de provecho, por lo que en realidad no me molestaba mucho cómo los hubiesen llamado. Así que si algunos creéis que mi inclusión del "Alone Again, Naturally (In The U.K.)" de Gilbert O'Sullivan resulta una elección discutible, me temo que váis a tener que vivir con ella. Obviamente, los Sex Pistols tienen reservado un lugar especial, ya que "God Save the Queen" fue el primer single a 45" de punk que conseguí, mientras que una semana o dos más tarde (creo que) me hice con la versión francesa de "Anarchy (In The U.K.)". "Never Mind The Bollocks" me pareció un disco fenomenal, y hablo como antiguo admirador de los Monkees al que le gustaba mucho "Stepping Stone". El primer álbum de los Clash fue igualmente maravilloso, destacando sobre las demás la canción "Janie Jones". Entre el material estadounidense que pude conseguir en aquel momento estaba "Little Johnny Jewel", que creo que fue el primer single de Television, y "Love Goes To Building On Fire", que fue el primero de los Talking Heads. De alguna forma creo que debería listar "Horses" de Patti Smith, a pesar de que lo consiguiera en 1975, pero me parece un precursor del punk tan definitivo como monumental. Recuerdo comprarme "Rip Her To Shreds" de Blondie y un montón de discos de bandas que quizá no sean tan bien recordadas hoy en día, como "Spanish Stroll" de Mink DeVille, o los excelentes discos de Handsome Dick Manitoba y The Dictators, con los que me hice para poder escuchar la inquietante cara B "Sleeping With The TV On" que aparecía en un single donde hacían una versión del "Search and Destroy" de Iggy Pop. "Lovers of Today" de los Only Ones fue otro descubrimiento que sigo atesorando, y también consumía con avidez todo lo que sacaba Stiff Records: el primer single de Elvis Costello, "Alison / My Aim Is True", era capaz de abrirte las orejas, y lo mismo ocurría con sus compañeros del sello Stiff: el más famoso era Ian Dury con su "Sex & Drugs & rock 'n' roll" y su álbum "New Boots and Panties", pero siempre fui un gran fan de Wreckless Eric y sus "Whole Wide World” y “Semaphore Signals”, e igualmente me apasionaba Larry Wallis y su antropomórficamente amenazante "Police Car". Por supuesto, estaba muy pillado con (creo) el primer EP de John Cooper Clarke en Beggars’ Banquets, "Psycle Sluts". Por lo general me gustaban cosas que estaban en el extremo más extravagante del espectro punk, por lo que celebré un montón el "Jocko Homo" de Devo, y especialmente el "Duck Stab" EP de los Residents, que me hizo descubrir otros discos suyos igualmente sorprendentes como "Meet The Residents" y "Third Reich and Roll". Si te soy honesto es muy probable que pudiese seguir aumentando esta lista para siempre, y ni siquiera he mencionado aún a The Adverts, X-Ray Spex, Ramones, Public Image, Ltd., Metal Urbain o Patrick… he olvidado su apellido... es el autor de "Safety Pin Stuck in My Heart" [Patrik Fitzgerald - Nota del Entrevistador], o a Wire, The Gang of Four, Slits, Penetration, Teenage Jesus and the Jerks o... o también...

Supongo que lo mejor será concluir con el orgullo de mi colección de singles de finales de los 70, que es el legendario Stiff nº 9, compuesto por “England’s Glory” y con “Dream Tobacco” en la otra cara del auténtico genio Max Wall, que aquí fue ayudado por Ian Dury y varios de los Blockheads. "England´s Glory" es una de las buenas. Recuerdo que estuve hablando con Billy Bragg cuando estaba buscando la forma de articular cuál podría ser la identidad inglesa, y le sugerí "Nice bit of kipper, and Jack the Ripper, and Upton Park/ Gracie and Cilla and Maxie Miller; Petula Clarke!” [un pedacito de arenque, Jack el Destripador, Upton Park / Gracie y Cilla, y Maxie Miller; ¡y Petula Clark!"] Bill estuvo de acuerdo en que "England´s Glory" era sin duda un buen comienzo para definir cuál era la identidad nacional, aunque creo que los dos sabemos bien que todos los manifiestos probablemente acaban sin rimar ni ser tan encantadoramente divertidos. En cuanto a tu pregunta acerca del continuo atractivo del punk, diría que claro que podemos darnos el lujo de pensar en los movimientos juveniles como fenómenos temporales, efímeros y de usar y tirar, dándoles la espalda cuando todavía pensábamos que podrían seguir funcionando un año o dos. La última vez que esto sucedió (en serio, creo que realmente deberías leerte el libro de John Higgs "KLF: Caos y Magia, la banda que quemó un millón de libras", y no sólo porque en él aparezca una foto mía de gran atractivo sexual, algo que por supuesto, nunca duele) fue al final del movimiento rave que se produjo alrededor de 1990, tras lo cual tuvo lugar un extraño interregno en el que parecía que no estaba ocurriendo nada en la cultura musical y juvenil hasta que llegó 1995, cuando apareció el heraldo de Tony Blair y el Nuevo Laborismo, el movimiento Britpop, que no era un verdadero movimiento surgido desde la calle, sino un pseudo-movimiento apolítico y sin actitud amenazante impuesto desde arriba, un alimento cultural procesado y reconstruido a partir de los despojos y las sobras de los treinta años anteriores de bandas inglesas de guitarras. (Por supuesto, deberíamos eximir a Jarvis Cocker y Pulp de todo lo anterior.) Para responder a tu pregunta, creo que realmente no nos hemos podido dar cuenta de lo afortunados que hemos sido hasta que hemos dejado atrás todas nuestras contra-culturas, y supongo que estaría bien seguir indagando en la música punk, psicodélica, mod, el folk político y el resto de movimientos con un anhelo y una continua fascinación por lo que muy posiblemente fue la última auténtica cultura musical británica de nuestro tiempo, antes de que esa tradición le fuese aparentemente subcontratada a Simon Cowell.