lunes, 29 de febrero de 2016

KILLED BY HARD CORE COMPILATION #2


Various - Killed By Hard Core Compilation # Two
(Redrum Records (KBD), 2002)

A1-Zmiv - Fame
A2-Headcleaners - Dying In A Maze
A3-Indigesti - Mai
A4-E-13 - Misguided Missile Mouth
A5-Ikka Shinjyuu - Dead You
A6-Mecht Mensch - Land Of The Brave
A7-YDI - Mad At The World
A8-Riistetyt - Elintilaa
A9-Suburban Mutilation - No Explanations
A10-Inocentes - Miséria E Fome
A1-Betong Hysteria - Det Er Bare Løgn
A12-Instant Agony - Think Of England
A13-No Labels  - Compromises
A14-Vorkriegsphase - Starve To Death
B1-Fader War - Religiøs Terror
B2-Target Of Demand - Man's Ruin
B3-TMA - I'm In Love With Nancy Reagan
B4-Agent Orange - Your Mother Sucks Cocks In Hell
B5-E.A.T.E.R. - Religion
B6-Kuro - No More No
B7-Extrem - Pressform
B8-Koro - Acid Casualty
B9-Disarm - Vägra
B10-The Abused - No End In Sight
B11-Cani - Guai A Voi!
B12-Chronic Sick - Man Rape Blues / Mucho Macho

AQUI.

viernes, 26 de febrero de 2016

LA NUEVA TECNO-RUPTURA: ASESINANDO EMPRESAS Y UTILIZANDO SUS CADÁVERES, por Warren Ellis

Por Warren Ellis, 20 de marzo de  2015, The Esquire. Traducido por Frog2000.

Déjame hablarte sobre una empresa digital montada por unos conocidos míos que se llama Newspaper Club. Desde hace cinco años ha permitido que la gente conciba sus propios periódicos a través de una interfaz en su web y mediante la utilización de otras empresas que solían imprimir periódicos, aunque ya no lo suelen hacer tanto porque muchas personas consumen sus noticias a través de la red. O como Russell Davies, de Newspaper Club, comentó una vez: "Nos han jodido el negocio y ahora quieren apropiarse de nuestras máquinas."

Esta es una de las características de la actual escena tecnológica, donde la encantadora "ruptura" significa asesinar empresas para luego hacértelo con sus cadáveres.

Puede que lo siguiente no parezca estar demasiado conectado con lo que acabo de decir, pero por favor, ten un poco de paciencia: Google tiene coches que se conducen solos, por lo que al parecer ahora Apple también los quiere. He escuchado un rumor que me parece hilarante: como las mini-furgonetas son tan atractivas, Apple ha empezado a hacer pruebas con una mono-volumen que se conduce sola. Por lo que tendrán que trabajar como bestias hasta conseguir montar su propio Apple Maps o de lo contrario ocurrirá lo siguiente: Google decidirá que no quieren que otros parasiten su negocio de Google Maps y lo utilicen como base para su empresa, y les quitará el acceso... que es lo que probablemente sucederá con Uber, otro dispositivo que requiere acceso prioritario a los mapas de Google. Además, a Google le encantaría regentar un negocio como el de Uber con, claro, coches que se conducen solos. ¿Qué está haciendo Uber entonces? Contratando a ingenieros para que realicen mapeos e intentando construir desesperadamente su propio coche auto-conducido para anticiparse al ataque.

Independientemente de lo que pienses sobre Uber y de su comportamiento empresarial, la lección no debería caer en saco roto: si ahora montas tu negocio basándote en el sistema de otro, con el tiempo ese otro lo acabará notando. Hace apenas una semana la aplicación de streaming Meerkat, que utiliza Twitter para poder retransmitir, sintió pasar una gélida brisa fría a lo largo de sus estancias cuando Twitter compró Periscope, el sistema de la competencia, que sin duda será reestructurado por Twitter tan pronto como le resulte posible. Los negocios digitales también pueden perseguir y asesinar a sus propios parásitos.

¿Y a quién tenemos en medio de todo este embrollo? Al rico y enloquecido Elon Musk, cuya intención es introducir enormes y eficientes baterías eléctricas en las casas de la gente. Podría no ser uno de sus proyectos secundarios más extraños, como por ejemplo lo es el Hyperloop, especialmente desde que Apple está contratando a sus fabricantes de automóviles en el extranjero, por lo que las ventas de sus automóviles y el transporte podrían alcanzar las cifras proyectadas en un principio. Esta actitud encaja perfectamente con el tema de la "ruptura". ¿Sabes que Musk tiene una empresa de paneles solares, verdad? Lo que podría ocurrir me parece bastante intuitivo: o bien SolarCity te permitirá alquilar sus paneles si no tienes problemas de liquidez o bien te podrán hacer un préstamo a treinta años para poder utilizarlos. SolarCity no te cobrará por la instalación o el mantenimiento de su sistema, y tú le pagarás a SolarCity por la energía que genere ese sistema, y por lo tanto, de esa forma estarán amortizando su préstamo. La electricidad como hipoteca. Y ahora, solo tienes que combinar este panorama con una célula de combustible recargable instalada en tu propia casa que probablemente podría alimentar tu hogar durante al menos una semana por su propia cuenta. Bienvenido a la RUPTURA DE LOS SERVICIOS BÁSICOS.

Quizá hayas estado leyendo todo esto y pensando, hmm, no me interesa demasiado la tecnología y la ruptura y todos esos fantasmas y lo que demonios sea de lo que estás hablando… bueno, pues apuesto a que te interesa mucho un futuro donde las subestaciones eléctricas caseras siguen siendo rentables incluso después de que un número crítico de casas de tu zona se queden sin suministro. Si seguimos viviendo en el mercado libre, seguirán siendo rentables incluso para suministrar electricidad a todo tu pueblo. Creo que las más gélidas consecuencias de que las cosas funcionen de esa forma podrían ser del todo imprevistas...

Todavía podemos dormir sin problemas porque Facebook, Google, Apple, Amazon, Microsoft y Elon Musk no quieren hacerse con nuestros negocios. Aún.

¿Sabes lo que pasará en cuanto esos servicios autónomos dirigidos al consumidor den el siguiente paso? Cuando te entreguen lo que has comprado justo en el mismo día en que lo has pedido, y todas estas empresas se introduzcan en las ciudades a la misma velocidad que Amazon, con versiones más completas y rápidas pilotadas por el Shopping Express de Google... Por cierto, Jeff Bezos es propietario de una empresa de diseño de cohetes, así que tal vez haya que empezar a fijarse en ese detalle... oh, y Apple quiere meterse en el negocio del servicio a las empresas, con lo que se ha convertido en rival de Amazon, donde se encuentran almacenados todos los datos de su competidor... y por supuesto, los de la envejecida y adormilada Microsoft.

Contén el aliento. Mantén la compostura. Las cosas se van a poner todavía más extrañas.

jueves, 25 de febrero de 2016

RUTA 66 NÚMERO CIENTO CUARENTA Y CUATRO


RUTA 66 NÚMERO CIENTO CUARENTA Y CUATRO (Noviembre, 1998). AQUI.

"Lo recuerdo, intacto, como una estela de vello erizado trepando por la columna vertebral. La cancha del Pabellón del Juventud de Badalona a oscuras, el gentío jaleando a Iggy, un breve rasgueo de calentamiento y el taladrante riff de "Penetration" emulsionando de la negrura con la exactitud de una incisión practicada por un cirujano jefe, después de la irrupción del grupo acoplándose a esas poderosas seis cuerdas como un guante de látex bañado en talco, y luego el aterrizaje de Iggy sobre el caudal de fuego, ascuas y termodinámica que aquel asteroide que llevaba por grupo iba arando a su demoledor paso. No había oído nada similar hasta entonces, y los fantasmas de Stooges y MC5 huyeron de mi cabeza al galope, aturdidos por una fuerza de origen desconocido que aquella guitarra con aletas de escualo controlaba a su voluntad. Fue la de esa noche una de las últimas representaciones de Iggy Stooge antes de ser definitivamente Iggy Pop, y seguramente lo más parecido a encontrarse en el Grande Ballroom. Tan culpable del trance como Iggy, la guitarra del estático e irreconocible Fred Sonic Smith había resultado un galvánico contrapunto a las contorsiones existenciales de aquel que buscaba para destruir. Es más, pese el abotargamiento físico, su críptica presencia eclipsó al iguanauta."

Jaime Gonzalo se ocupaba del comando conocido como Sonic´s Rendezvous Band en este Ruta 66 número ciento cuarenta y cuatro, y de paso rememoraba el bestial concierto de Iggy Pop que presenció en 1978.

miércoles, 24 de febrero de 2016

KILLED BY HARDCORE VOL. 1

Various - Killed By Hardcore
(Redrum Records (KBD), 2001)

1-Urban Waste - Public Opinion
2-Gasmask - Koruse
3-Terveet Kädet - Utopia
4-Sound Of Disaster - Moral
5-Nog Watt - Going On
6-No Pigs - Broken Promises
7-N.O.T.A - Taking Away Your Rights
8-Colera - Deo Fora
9-Actives - Riot
10-Capital Scum - Clutch The Flag
11-The Left - Fuck It
12-Ultraviolrence - Dead Generation
13-The Fix - In This Town
14-America's Hardcore - Born Prejudice
15-Fallout - Punks United
16-Genetic Control - 1984
17-Youth Patrol - America's Power
18-Lama - Ajatuksen Loppu/ Kansan Uutiset - Home, Religion, Native Country
19-Indirekt - Shell Helpt
20-Nihilistics - Black Sheep
21-The Execute - Going Back
22-The State - No Illusions

AQUI.

martes, 23 de febrero de 2016

ENTREVISTA CON TERRY ZWIGOFF EN THE COMICS JOURNAL (PARTE 1 DE 8)

Entrevista con Terry Zwigoff en The Comics Journal nº 179 (1995). Traducida por Frog2000.

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A pesar de la reciente ovación que el mainstream ha propiciado al documental CRUMB de Terry Zwigoff, el director se encuentra legítimamente enraizado en el underground. Zwigoff lleva trabajando con Robert Crumb desde hace 25 años, incluyendo la época que se pasó tocando con The Cheap Suit Serenaders, la columna y fotografías para la revista Weirdo, y su escritura del guión de una película (titulada The New Girlfriend) junto a Crumb, basada en una de las historias más famosas del dibujante (White Man Meets Bigfoot, Whiteman conoce a los Bigfoot, 1970). Su labor en su propio cómic auto-editado titulado Funny Animals enarbolaba el mismo humor que los críticos y el público han podido detectar en CRUMB. Robert Crumb estuvo de acuerdo en contribuir a dicho cómic, pero de acuerdo con Zwigoff, ridiculizó todo el concepto en cuanto le comentó: "Buf, entonces ese es el tipo de cómic con animales que te gustaría hacer". 

Crumb es la tercera gran obra de Zwigoff como director de documentales. Su primera película, Louie Bluie, que trataba sobre el músico de blues Howard Armstrong, se rodó en 1985. Los siguientes proyectos del director fueron desplomándose antes de llegar a estar terminados: como ocurrió con New Girlfriend, mencionada antes, y A Family Named Zoe, sobre la historia de la música hawaiana. 

La perseverancia de Zwigoff para intentar completar Crumb se ha convertido en parte de la leyenda de la película. En un principio, el protagonista del filme fue muy reacio a aceptar participar en el proyecto, y solo consintió cuando su madre y sus hermanos también accedieron a ser filmados. En el mejor de los casos, la financiación de la película era irregular, en parte por culpa de la insistencia del director en tratar a Crumb como un artista en el sentido más amplio de la palabra y conseguir expandir el alcance de su película hasta llegar a incluir a la propia familia de Crumb (en particular a su hermano mayor Charles, con quien Zwigoff declaró tener bastante afinidad.) Ciertas dolencias que le debilitaron y el tanteo para rodar otro documental que le podía quitar tiempo (y que Zwigoff veía como un importante mercado potencial, la BBC), además del rodaje y la edición a lo largo de nueve años fueron otros dos posibles obstáculos antes de poder ver finalizado el documental.

La película terminada, que ha gozado de una carrera plagada de éxitos gracias al impulso conseguido al ser proyectada en varios festivales de cine, ha supuesto todo un triunfo para Zwigoff. Durante la celebración de la siguiente entrevista, conducida por Gary Groth a finales de junio de 1995, Zwigoff a veces pierde el hilo al recibir algunas llamadas de Crumb y de otras personas que le proponen futuros trabajos. Al hablar con Zwigoff te puedes hacer una idea de cómo puede ser su relación con Crumb: los dos hombres suenan de forma muy similar, desde la cadencia de su charla hasta la notable sinceridad con la que afrontan las preguntas.

El Journal quiere darle las gracias a Terry Zwigoff por haber accedido a prestar parte de su tiempo para charlar con la revista y reexaminar la transcripción en pos de una mayor claridad.
INMERSIÓN

Gary Groth: ¿Ya te has cansado de tener que hablar sobre Crumb?

Terry Zwigoff: ¡Has acertado a la primera! [Se ríe.] Después de esto no quiero volver a ver a ese tío de nuevo.

Groth: Bueno, probablemente ya habrás visto demasiadas cosas de su vida.

Zwigoff: Claro... llevo sumergido durante tanto tiempo en la vida de esa familia que, tío, me parece un alivio que todo se haya terminado. Al menos en lo que se refiere a la filmación, pero ahora parece que las conversaciones sobre la película no se van a acabar nunca.

Groth: Probablemente todo se acabe en un mes y medio.

Zwigoff: Eso espero. Espero que ocurra en algún momento.

Groth: América descubrirá alguna otra cosa.

Zwigoff: Espero que se fijen en otros temas.

Groth: ¿Ha tenido mucho éxito la película?

Zwigoff: ¿Económico?

Groth: Me refiero a cuánta gente ha ido a verla, que es lo que supongo que le hará alcanzar el éxito económico.
Zwigoff: Hemos conseguido que la vean un millón y medio de espectadores, y se ha estado proyectando durante nueve semanas [desde el 24 de junio de 1995] en un puñado de cines, así que para ser una película artie creo ha funcionado muy bien. Me parece que ha recaudado cerca de tres millones de dólares, que es una buena cantidad. Por lo general, Sony distribuye películas artísticas de primera fila, filmes extranjeros que han ganado premios de la Academia. Burnt By the Sun [Quemado por el sol, 1994] podría ser un buen ejemplo de lo que suelen distribuir. Son películas que no importa qué tipo de reseñas reciban, aunque por lo general suelen ser muy favorables, pero tampoco recaudan demasiado dinero. Sigo acordándome de lo que ocurrió con mi primera película, Louie Bluie, que trataba sobre un músico de blues desconocido. Cuando apareció en 1985 consiguió todo tipo de críticas entusiastas, aunque me las esperaba, porque la película trataba sobre un hombre negro de 76 años. La mayoría de los críticos de cine (y especialmente los que pertenecen al comité que premia los documentales), por lo general suelen confundir la temática de la película con la calidad que tiene el director que la ha rodado, con sus habilidades. Así que no me sorprendió demasiado que la película se llevase esas críticas tan entusiastas, porque en cierto sentido la gente se decía: "bueno, no voy a hacer una crítica negativa de esta película porque si lo hiciese estaría criticando al protagonista de la cinta", algo que en mi opinión no tiene demasiado sentido. Pero así es como suelen funcionar las cosas.

En realidad me parecía que Crumb no iba a conseguir unas reseñas tan buenas, porque hay un montón de gente a la que Crumb no les gusta y no simpatizan con él de la misma forma que lo hago yo. Así que me quedé bastante sorprendido cuando las reseñas que hicieron de la cinta fueron positivas. De alguna forma me quedé muy asombrado, pero como creía que iba a conseguir reseñas más negativas, intenté compensarlo de alguna forma y durante todo este tiempo no me ha quedado más remedio que hacer algunas concesiones comerciales. Le he estado dando muchas vueltas a lo que quería hacer: pensé mucho en qué es lo quería que apareciese en el póster de la película, en cómo montaría el tráiler, qué aspecto tendría el anuncio del film si tuviese el control suficiente como para realizarlo yo mismo. Por ejemplo, rodé toda aquella escena en la que Robert acude a la sesión fotográfica en aquel "Show de Piernas" con las chicas. El único motivo para hacer esa escena era que quería alguna excusa para sacar a estas mujeres sexys y ligeras de ropa en el anuncio o en el póster de la película. Siempre que pudiese presionar a Sony para que me dejasen hacer algunas cosas, claro, algo de lo que a veces no he sido capaz. Esa es la razón por la que acudí a David Lynch para ver si a él le gustaría la película lo suficiente como para involucrarse, y por suerte lo hizo. Así que todas estas cosas fueron muy importantes para el aspecto promocional. Y además yo no tengo la misma aversión que tiene Robert a ganar dinero. Pero bueno, al mismo tiempo tampoco quiero comprometer la integridad de la cinta. No haría nada que no quisiera hacer.
Groth: ¿Crees que esas pequeñas transigencias comprometen de alguna forma a la película?

Zwigoff: No, en realidad creo que lo que ocurría con esa escena del "Show de Piernas" en particular, es que sus escenas tenían el realismo más sórdido y tan de mala calidad que he visto en mi vida, y Robert sintió lo mismo. [Risas.] Eran unas escenas bastante pesimistas y deprimentes que hicieron que Robert se sintiese muy incómodo. Estoy seguro de que si allí no hubiese estado el equipo de rodaje se lo habría pasado estupendamente con esas chicas. Pero en realidad, la mayoría de las mujeres eran lesbianas y tenían plantada una cámara frente a su cara con luces que despedían calor y había como unos 95 grados en el exterior... por lo que Crumb sólo quería que todo se acabara de una vez.

Groth: Y entonces, ¿por qué accedió Robert a filmar la escena si pensaba que era tan degradante?

Zwigoff: Como apuntaba Kathy Goodell, él es alguien pasivo-agresivo. Para empezar, creo que ese fue uno de los motivos por los que aceptó hacer la película. Aceptó y puede que en un primer momento le resultara sencillo hablar sobre cómo se iban a hacer las cosas, pero a continuación, de alguna forma empezó a lamentarse. Cuando acabamos esa escena, nos dimos cuenta de que el resto de la película era muy seria y que... bueno, no es que sea exactamente la película del buen rollo de este verano. La escena no arroja ninguna luz sobre su trabajo, que para mí era principalmente sobre lo que trataba esta película. Pero de todas formas la película trata sobre su obra, no sobre R. Crumb. Y en un sentido más amplio tampoco estaba demasiado interesado en rodar solamente una biografía de la carrera artística de Crumb. Así que le consulté a mi editor, y esa ha sido una de las pocas veces a las que le he dado al editor tanta libertad, y le dije: "Mira, aquí tienes este tema musical tan optimista, modifícalo si puedes y haz que la escena parezca más inocente y alegre." Y terminó haciendo un gran trabajo. Falsea muy bien la realidad de lo que está pasando en pantalla. Pero no, no creo que comprometiese la integridad de la película. Es un interludio musical agrabable que más bien da ligereza a toda la densidad que le rodea. Emocionalmente es una película dificultosa, como una película demasiado larga y agotadora a la que hacer frente desde la butaca. 

(Continuará)

lunes, 22 de febrero de 2016

RARE PUNQUE FRANÇAIS 77-83


Various ‎- Rare Punque Francais '77-'83
(Redrum Records (KBD), 1997)

A1-Bulldozer - J'suis Punk
A2-La Came Aux Damelias - La 5e Roue Du Carosse
A3-Les Spurts - Je Suis Fier De Mon Grand-Père
A4-Les Ablettes - Spontaneité
A5-Ox - Drugs
A6-Gloires Locales - Les Catalogues
A7-Checkmates - Weekend
A8-Calcinator - Billard
A9-Edith Nylon - Tank
A10-Vermines  - Rock In Belfond
A11-Gasoline - Radio Flic
B1-Strychnine - Ex-Bx
B2-Betonvibre - Ne Me Bassine Pas...
B3-Warm Gun -  Broken Windows
B4-Extraballe - Haute Tension
B5-Bijou - Ton N° De Téléphone
B6-Les Felés - Mon Lycée
B7-84 Flesh - D-Section
B8-Les Electrodes - Black Flag
B9-Factory - Flesh
B10-Brigades - Riot And Dance

AQUI.

viernes, 19 de febrero de 2016

JOHN CONSTANTINE ES UNO DE LOS NUESTROS (2 de 2)

Por Félix Frog2000, artículo para el facebook de Gotham Central Comics. Parte 1.

“John es un gran personaje. Me gusta escribir a un protagonista que es un poco hijo de puta y que se enfrenta a decisiones morales que parecen realmente creíbles, alguien que nunca se sabe a ciencia cierta si hará lo correcto. Además, me encanta todo el ideal de la magia visto desde el punto de vista realista: puede ocurrir cualquier cosa.”

-Denise Mina

Vertigo, la marca corporativa de DC que durante años fue administrada por Karen Berger, acogía obras “adultas” según los estándares “adultos” del otro lado del charco, que básicamente se podían resumir en: desnudos, argumentos más elaborados que pretendían disertar sobre profundos temas del devenir humano (y que en ocasiones eran de una vacuidad absoluta) y palabras malsonantes. Se lanzaron un puñado de colecciones que hacían uso de estos tres elementos y que sabían sacarle bastante partido. Pero en la serie del mago rubio parecía haber algo más. Por medio de Hellblazer y otros productos contemporáneos del mismo período, como las películas de Ken Loach, conocimos la amargura que suponía (y supone) pertenecer a la Clase Trabajadora inglesa, y nos dimos cuenta de que Constantine y el resto del elenco nos resultaban próximos porque sus miserias eran peligrosamente parecidas a las nuestras. 

John Constantine es uno de los nuestros. Las calles por las que transita y los bares donde se resigna a vivir su vida mientras trasiega una pinta tras otra son similares a los nuestros, y además utiliza la palabra JODER con fruición y sin cortarse. Es una palabra que se escucha a todas horas en las tiendas donde compramos habitualmente y en nuestro trabajo. Con la inflexión vocal correspondiente, es un exabrupto que se puede utilizar para expresar todo el catálogo de emociones: ira, dolor, tristeza, alegría… John la utiliza mucho, es una “zona cómoda” que te ofrece un par de segundos de ventaja con los que pensar la respuesta que te hará ganar la discusión a tu contrincante, o con la que sintetizar todo lo que quieres expresar de la forma más rápida y contundente posible. Es otro de los tabúes, el de no utilizar nunca “la palabra que empieza con F”, como dicen eufimísticamente los norteamericanos, hecho añicos por los guionistas de la serie. Y además, dicho con la suficiente potencia, “FUCK!”, “¡JODER!”, suena muy bien.

“[...] Y sin embargo, paradójicamente se siente obligado por las personas que ha conocido y de las que se preocupa. Nunca dejará atrás despreocupadamente a una persona que sufre si hay algo que pueda hacer al respecto.”

-Mike Carey

Hablando de irreverencia, Constantine perteneció a una de las generaciones que iba a cambiarlo todo y que inició un movimiento global con miles de ramificaciones, la del punk, que sería asimilado, deglutido y vendido como mainstream por el Sistema pocos años después. Pero por lo menos, estrategias descubiertas por dicha tendencia juvenil como el famoso “DO IT YOURSELF” (Hazlo tú mismo) han seguido utilizándose a lo largo y ancho del Planeta para saltarse lo convencional. John formaba parte del movimiento primigenio. Cantaba en un grupo de nombre estupendo, MUCOUS MEMBRANE, que llegó a actuar con los Sex Pistols, aunque según cuentan los personajes de la serie sus canciones sonaban atroces. La mayoría de los primeros punks no querían más que sumergirse en un hedonismo mayúsculo, demostrarle al mundo quiénes eran a través de sus ropas e instrumentos comprados en los saldos, por lo que no elaboraban demasiado sus propuestas. Todo tenía que ser inmediato. Muchos de los ensayos literarios y biografías (“Rastros de Carmín” de Greil Marcus, “No Irish, No Blacks, No Dogs” de Johnny Lydon) que se centran en esta revolución menor señalan que en sus comienzos, en el Año Zero del punk inglés (1976), todo era más divertido y colorido. No existían los dogmas que barrenarían más tarde la escena, y cada cuál hacía literalmente lo que le daba la gana, tanto en la forma de vestir como en las expresiones artísticas o en cuanto a la actitud que enarbolaban frente al mundo. Luego empezaron las reglas y ahí fue cuando Constantine abandonó. Ya no tenía sentido seguir la corriente si no podías ser libre de verdad, si alguien te señalaba que tus pintas, tu música, tu forma de comportarte no eran punk según el manual del punk.

“La verdad, cualquiera suficientemente quisquilloso como para volver a los números anteriores de Hellblazer y revisarlos minuciosamente, se encontrará probablemente con pequeños errores en la continuidad (¡y créeme, personas como esas existen!). Pero también me gusta que ocurra. Aquellas cosas que no tienen sentido, las pequeñas inconsistencias, son las que hacen que Constantine parezca real. La vidas reales están hechas de momentos desordenados.”

-Peter Milligan

Durante los ochenta se crearon un puñado de personajes que facilitaron que su público se identificara mucho más con ellos que con los que se habían creado en décadas anteriores, justamente porque eran más terrenales, no tenían poderes, o aunque hiciesen alarde de algunos no eran demasiado espectaculares, y además miraban la vida con un punto de desapego. Eran indolentes porque la vida ya les había dado bastantes disgustos y como se suele decir, “estaban de vuelta de todo”. Algunos de ellos, como Reuben Flagg en American Flagg, demostraban a lo largo de su serie un proceso de cambio y veíamos cómo su gazmoñería inicial se convertía en descarado cinismo mientras se iban sumando ejemplares. En otros casos el protagonista ya venía torcido, y lo fascinante era descubrir en los flashbacks que los mejores guionistas administraban con cuentagotas qué terribles pruebas habían facilitado la transformación del personaje en alguien tan cabronazo. El truco, que ya era viejo cuando lo desveló Claremont al responder a las inquisitorias preguntas de los fans centradas en Logan, subrayaba que nunca había que desvelar todo el pasado del protagonista, que siempre había que dejar al lector con la intriga. Contar el incidente de Newcastle con pelos y señales, quitarle el vicio del tabaco a Constantine (por lo que ya no sería Constantine, a no ser que fuese un truco argumental que durase una saga de unos pocos números) o matar a Chas y encima hacerlo terriblemente mal, son el tipo de caminos que transitan los guionistas desesperados, aquellos a los que se les ha angostado el cerebro, como a Don Quijote. Demasiadas lecturas superheróicas. Porque cuanto menos biografía sepamos de John, más adictivo resultarán sus misterios tras la cortina. No hace falta desbaratar nada porque se tenga un mal día en el que no te visiten las musas. Sobre todo porque Hellblazer está protagonizado por Constantine, pero también hay otro "personaje" mudo del que siempre se puede hacer uso para edificar guiones audaces: la ambientación, que es lo que hace que funcione o no una colección que se basa en el misterio y especialmente en el terror, elemento este último dificilísimo de comunicar a través de un cómic. Los números de la serie que se nos han quedado en la memoria, como “Abrázame” o la trama en la cárcel guionizada por Brian Azzarello y dibujada por Richard Corben, tuvieron la suerte de tener a bordo dibujantes que supieron perfeccionar la labor del guionista. Su labor, la de los creadores, es la de sugerir en lugar de desvelar minuciosamente cada detalle, porque nunca hay que tratar al público como a un imbécil. 

“En las historias se pueden encontrar pedazos y trozos de retorcida y distorsionada experiencia personal entrelazados como una "autobiografía novelada"; todos los escritores están constantemente extrayendo materia prima de sus propias vidas: ¿con qué más podemos trabajar?”

-Jamie Delano

En España, la pasmosa edición de la colección ha provocado muchos quebraderos de cabeza a sus seguidores. Etapas completas sin editar. Números del final de la serie publicados antes que los que dan inicio a la colección, enésimas impresiones del mismo material, con lo que resulta imposible hacerse con una edición homogénea…  Por otro lado, dado el carácter errático de la serie, las desventuras de un hosco mago moderno que vaga por el Mundo cargando con su desgraciada soledad allá por donde va, dicha molestia bien puede ser menor. En nuestro país Hellblazer se ha convertido en un puzzle, una odisea que avanza a trompicones y que usa la melancolía y las situaciones terroríficas con la pretensión de entretener, que no es poco. Hasta hace poco DC tenía bien claro que el personaje le reportaba un sello distintivo de calidad en el mercado, con autores que no sólo eran ingeniosos y competentes, sino que se esforzaban por dar lo mejor de sí, conscientes del estatus que concede haber sido uno de los guionistas elegidos para la colección. Es el motivo por el que podemos disfrutar de la lectura, independientemente de su cronología. Lo único que debería importarnos a los aficionados de John Constantine es poder seguir pasándolas canutas con sus escabrosas hazañas, porque en realidad es otra forma de pasarlo bien, antes de que algún día algunos sucesos extraños empiecen a sucederse de forma incontrolada en la intimidad de nuestro hogar, minutos antes de que se desate el Infierno. 


"Empezaron a erradicar todo rastro de referencias sobre la semejanza de John Constantine y Sting en la introducción de los primeros números de La Cosa del Pantano. Pero puedo afirmar categóricamente que el personaje sólo existe porque Steve y John querían hacer uno que se pareciese a Sting. Después de haberme arrojado ese desafío pensé, ¿cómo podría encajar a Sting en la serie? Tenía la idea de que la mayoría de los místicos que aparecen en los cómics son generalmente personas mayores, muy austeras, muy correctas, muy de clase media en muchos sentidos. En la calle no son funcionales del todo. Se me ocurrió que podría ser interesante crear por una vez a un brujo que fuese obrero. Alguien que fuese de la calle, de clase obrera y con un trasfondo diferente que el de la ambientación habitual que tienen los místicos en los cómics. Constantine surgió de ese concepto."

-Alan Moore

jueves, 18 de febrero de 2016

JOHN CONSTANTINE ES UNO DE LOS NUESTROS (1 de 2)

Por Félix Frog2000, artículo para el facebook de Gotham Central Comics.

"Una anécdota interesante que me gustaría señalar es la que me ocurrió un día que me encontraba en Westminster, Londres. Fue después de haber presentado ya al personaje, y estaba sentado en un bar de bocadillos. De repente, por las escaleras apareció John Constantine. Llevaba su gabardina, una de esas cortas. Parecía... no, ni siquiera se acercaba al aspecto que tiene Sting. Era exactamente igual que John Constantine. Me miró, me miró fijamente a los ojos, sonrió, asintió con la cabeza en mi dirección casi con complicidad, y luego simplemente se alejó caminando hasta la otra esquina de la barra. Me senté y empecé a pensar, ¿debería acercarme hasta allí para comprobar si realmente sigue en el sitio, o debería comerme mi sándwich y largarme? Opté por esto último; pensé que era lo más seguro. No estoy dando nada por supuesto. Sólo relato lo que me sucedió en ese momento. Una pequeña y extraña historia."

-Alan Moore

Algunos críticos arremeten contra Alan Moore vociferando que uno de sus talones de Aquiles es el humor. Comentan que sus esforzadas incursiones en tan difícil género carecen de la vis cómica necesaria porque son demasiado sesudas y dependen mucho de los juegos de palabras que son habituales en su estilo. Seguro que para nuestra percepción tendrá mucho que ver la traducción de sus obras, pero convengamos que cosas como “Maxwell el Gato Mágico”, no es precisamente un generador de jolgorio automático. Consciente de esta limitación que le achacan, Moore supo recoger las aristas más salvajes del proceso humorístico, el cinismo y el sarcasmo, y embutirlas en una de las creaciones con las que inundó de mala baba el mainstream de los ochenta. John Constantine es como un Lenny Bruce ocultista, siempre fastidiando a La Cosa del Pantano con sus comentarios mordaces, manipulándolo en realidad para sus fines, y apareciendo en interludios medidos, escasos, que provocan emociones a flor de piel (aún me acuerdo de una escena en un bar donde Constantine se quedaba mirando fijamente a un macarra que le había importunado mientras la tensión le hacía triturar el vaso que tenía asido en la mano. Sus ojos eran la definitiva expresión dibujada de la rabia). Estos mecanismos también acentúan, por fin, la risa, sobre todo cuando deja tirado a Alec Holland en mitad de la nada, en el otro extremo de Estados Unidos, preguntándose el verdoso personaje dónde narices se encuentra ahora Constantine, con verdaderas ganas de matar a ese mamón rubio porque se la ha jugado de nuevo. Pero seguro que las mayores carcajadas provocadas por el mago provienen de sus hirientes respuestas, que siempre desvelan la idiotez del humano que se ha atrevido a no elaborar demasiado sus preguntas o apreciaciones sobre un tema determinado. Constantine le pone en su lugar, lo humilla hasta dejar al interlocutor al borde del llanto, y el lector se parte de risa al leerlo, sobre todo porque esta vez no es él el blanco de tanto sarcasmo.

"Quiero conseguir que la serie [de Hellblazer] cuente de nuevo historias de terror. Con esto me refiero a cosas que te asusten y perturben, en lugar de que de vez en cuando aparezca al diablo vestido con sus peludos calzoncillos. Los elementos abiertamente sobrenaturales probablemente se verán bastante reducidos. Verás, por lo que a mí respecta, la cosa más espantosa del mundo son las personas y lo que se pueden hacer unos a otros. Siempre es más extraño que la ficción, y mucho más inquietante."

-Warren Ellis

Jamie Delano recogió a Constantine y le agrió aún más la personalidad. No era para menos, porque con sus guiones el autor estaba sacando a la palestra la basura provocada por las sucesivas reestructuraciones económicas y las políticas sociales de Margaret Thatcher. Londres se convertía así en el negativo de la ciudad de postal. Debajo del subterfugio para el turista había un feo lugar lleno de miseria, habitantes hastiados y sucesos inexplicables a la vuelta de cada esquina. El autor también indagó durante su larga etapa en el avanzado movimiento terrorífico que se había puesto de moda en ese momento en el cine (David Cronenberg, Brian Yuzna) y en la literatura (Clive Barker, Bret Easton Ellis), que los críticos bautizarían como la Nueva Carne. Para sus demiurgos, los humanos poco menos que éramos objetos en una Sociedad donde todo se podía comprar. En sus ficciones se conjeturaba quiénes eran los verdaderos enemigos del contrato social, plagándose todos sus productos culturales de psicópatas, hombres de negocios corruptos, maldades de andar por casa. Los antiguos demonios y criaturas terroríficas ya no funcionaban demasiado bien en los entornos urbanos donde los ejecutivos quemaban vagabundos (un espeluznante hecho real). En nuestro entorno, en el metro, era habitual asustarse con la cara pésimamente manipulada por una mala cirugía ilegal. La contaminación del agua avivada por los desechos arrojados por las grandes empresas podía convertir a tu hijo en un mutante resentido. Se descubría que en los entornos rurales donde se nos había asegurado que la vida era más sana, se llevaban a cabo rituales ocultos y abundaba el incesto, vidas horribles en familia en mitad de la Naturaleza. La carne se podía modificar, atravesar y cortar con piercings, cadenas o cuchillas de afeitar, era un elemento susceptible de doblegarse y adquirir proporciones imposibles. Los barrios más degradados de la urbe se convertían en mataderos donde no dejaban de producirse ajustes de cuentas, violaciones, donde los basureros descubrían casi todos los días al abrir los contenedores cadáveres cortados en varios pedazos. También en Hellblazer se recogía esa sensación de amenaza continua, donde el verdadero monstruo era tu propio vecino.

"Sí, claro. ¿Es que cuando ves Alien te quedas pensando: "¡vaya! ¡Qué examen tan brillante del terror secreto que tenemos a nuestro cuerpo y a la naturaleza inherentemente sexual de la muerte!"? No, en realidad lo que piensas es: "¡hey, mira! ¡Ha atravesado su pecho! ¡Como mola!" Cuando ves "Un hombre lobo americano en Londres" piensas: "vaya hombre lobo más pulcro. Jajaja, ¡le ha cortado la cabeza al policía de un solo golpe! ¡Oh, mira a Jenny Agutter desnuda! ¡Es algo bastante inusual!". Y cuando ves a Drácula te quedas pensando: "¡Vamos ya! ¡Que he pagado una buena pasta por esto!"

-Garth Ennis

A pesar de que a veces haga gala de un incómodo y gélido carácter, los escalofríos atípicos que a veces padece nuestro protagonista están provocados por la larga ristra de amigos y conocidos muertos que acarrea a sus espaldas. El remordimiento es un aguijón que no descansa. Son la consecuencia de decisiones tomadas en el último momento, o de una planificación concienzuda donde algún viejo colega pagará arteramente el pato para salvar el día. Dichos decesos también son la desagradable e inevitable moneda de cambio con la que Constantine ha quedado maldito. En su fuero interno tiene bien claro que sus encuentros esporádicos aquí en la Tierra con las almas a las que ha condenado a churruscarse por toda la Eternidad son lo suficientemente tenebrosos como para intentar seguir vivo y coleando por todos los medios. John sabe de primera mano que cuando llegue al Infierno tendrá muchas cuentas que rendir, por lo que demora todo lo que puede su descenso. En sus derivas psico-geográficas por las ciudades y pueblos de Inglaterra, su delgada figura se recorta solitaria bajo la lluvia, con un propósito en mente y nadie con quien compartirlo. Pocos personajes de la ficción, obviando las esporádicas relaciones que ha mantenido con sus amigos muertos o la puñalada que supuso su malogrado noviazgo con Kit Ryan, están tan solos.

(Continuará)

miércoles, 17 de febrero de 2016

KILLED BY 7 INCH #10


Various ‎- Killed By 7 Inch 10
(Redrum Records (KBD)

A1-The Invaders - Launderama
A2-Amsterdamned - Melting Pot
B1-F - In Control
B2-False Prophets - Good Clean Fun

AQUI.

KILLED BY 7 INCH #9


Various ‎– Killed By 7 Inch #9
(Redrum Records, 2000)

A1-Roses Are Red - Can't Understand
A2-The Mel - Modest Living
B1-White Boy - I Could Puke
B2-The Martyrs - Social Sacrifice

AQUI.

martes, 16 de febrero de 2016

NEIL GAIMAN ENTREVISTA A LOS HERMANOS HERNANDEZ (PARTE 4 DE 9)

Entrevista aparecida en The Comics Journal #178 (1995). Traducida por Frog2000. Parte 1, parte 2, parte 3.

Gaiman: Una de las cosas más extrañas que os quería preguntar... ¿Cómo os sentís cuando la gente os intenta imitar? Me he dado cuenta de que pasa más contigo, Jaime, que con Gilbert, aunque me parece que la gente intenta birlarte el estilo sin nada de lo que hay bajo la superficie.

Jaime: Me recuerda a lo que me pasaba cuando tenía diez años y quería dibujar igual que Jack Kirby, aunque sabía bien que no sería capaz. Terminé por darme cuenta. Porque al principio lo intentaba, me ponía a dibujar la maquinaria como la hacía Kirby, y terminé dándome cuenta de que nunca sería capaz, así que solía acabar bastante frustrado. A veces he visto dibujantes... no es que sepa mucho de ellos, pero les encanta mi material y quieren hacer algo parecido. Y entonces lo intentan y se ponen a dibujar y quizá hagan una buena copia, o quizá sea una mala, pero...

Gaiman: Si nos fijamos en los primeros dos números de Love and Rockets, por todas partes se puede apreciar que habéis ido asimilando un montón de influencias. Empiezas a revisarlos detenidamente, y de repente ahí aparece una viñeta en plan Wally Wood. Por allí tenemos otra en plan Steve Ditko. En otra hay algunos pequeños elementos en plan Kirby. También otras cosas raras en plan Frazetta que le dan un aspecto clásico.

Gilbert: También hay una mujer al estilo de Tony Tallarico. [Risas.]

Gaiman: Y ambos habéis ido pasando por todas esas etapas y os habéis terminado convirtiendo en quienes sois hoy en día. Nadie podría confundir vuestras viñetas con el trabajo de algún otro. Habéis llegado a ese punto en el que te das cuenta de que habéis conseguido una voz personal.

Gilbert: Cuando Jaime ha comentado que no podía ser como Kirby, en realidad se conformó con ser él mismo, y al final ha sido mucho mejor para él.

Jaime: Si, he tenido bastante éxito siendo yo mismo, y además a la gente le ha gustado.
Gaiman: Si, supongo que eso es lo que quería decir, que te has terminado convirtiendo en ti mismo. Creo que los miles de millones de clones de Image y Marvel no lo han descubierto todavía, que todo lo que tienes que ofrecer y que te hace único, que hace que te distingas de todos los demás, es el material que sólo tú mismo eres capaz de hacer. Supongo que en su momento también veríais necesario averiguar cuáles eran las cosas que podíais hacer vosotros y que nadie más sería capaz de hacer en lugar de dibujar lo que hacía el resto. Por eso sois infinitamente irreemplazables.

Jaime: Sin embargo, no sé si les preocupará a muchos de ellos. Mira a Barry Smith, que solía dibujar como una mala copia de Kirby, y de repente decidió empezar a dibujar con su propio estilo. Supongo que no hay tantos. Sólo un puñado que sean capaces de dejar de imitar. Creo que es entonces cuando el talento entra en acción. [Risas.]

Gilbert: Es gracioso, pero los dibujantes y vendedores de cómics alternativos que lean esta entrevista se rascarán la cabeza y se dirán: "¿Por qué están hablando de todos esos tíos del mainstream?" Pues es porque hemos aprendido de esos viejos tíos del mainstream. Hemos aprendido de gente que era absolutamente capaz de dibujar. Puede que el que se lea esta entrevista esté aprendiendo de otros tíos de los cómics alternativos o lo que sea, y, como has dicho, en los primeros números de Love and Rockets se podían ver todas nuestras influencias. Había toda una carga de mierda hecha por sólo tres personas. Pero nuestras influencias provenían de 12 o 24 tíos. Y creo que todos eran buenos dibujantes. Eso es lo que me gusta pensar.

Gaiman: Creo que lo eran, creo que aprendísteis mucho de ellos. Me encanta el material de Chester Brown, se puede ver cómo ha ido asimilando todo tipo de cosas extrañas y las ha convertido en lo que él suele hacer, cosas que sólo él es capaz de hacer.

Gilbert: Por supuesto. Es uno de ellos. Todo lo que hace es completamente Chester.

MEDIR EL TIEMPO

Gaiman: Quería deciros lo extraño que me parece que en vuestra obra hayáis alcanzado el año 1995. Lo raro que resulta intentar hacer un cómic más o menos en tiempo real, sobre todo cuando estáis haciendo historias que transcurren durante una semana o el tiempo que sea, y que tardéis tres o cuatro años en completar del todo.

Jaime: Claro, es lo que pasa con el número que estoy acabando...

Gilbert: [Risas.] Si, ¡tiene lugar en 1991! El pasado reciente se convierte en algo casi alienígena, y a veces ni siquiera estás demasiado seguro sobre cómo iban vestidas las personas o lo que se escuchaba en ese momento, a menos que tengas una cápsula del tiempo de algún tipo... ¿qué música escuchaba la gente entonces? ¿Qué zapatos usaban las chicas? Porque la moda es muy importante, sobre todo en el caso de las mujeres, y puede que lean el número y se digan: "Un momento, nadie se ponía eso en aquel año, o en ese mes". Suelo fijarme en a las revistas de moda antiguas y...

Gaiman: Tampoco creo que en ellas aparezca la forma de vestir de la calle, ¿no?.

Jaime: Hacer las cosas bien es muy difícil.

Gilbert: Lo más curioso es que aunque la historia esté ambientada en un marco temporal determinado, siempre me imagino que Luba tiene alrededor de cuarenta años. Parece haber cumplido los cuarenta desde hace mucho tiempo [risas], sólo que su cara está devastada por las preocupaciones.

Gaiman: ¿Tenéis todo por escrito o está almacenado en vuestra cabeza?

Jaime: De hecho, me he hecho un gráfico porque me estaba volviendo loco. Pero he de admitir que todo sigue encajando. Todo encaja. En los números anteriores sólo hay un par de cosas que me hacen preguntarme: "¡Hey! ¿Por qué usa esa ropa de los años cincuenta cuando está en 1972?" Y una vez recibimos la carta de un tío que nos decía: "¡La cronología de Love and Rockets que os habéis montado me parece apestosa! Esta es la que he hecho yo: he revisado cada número y..." Y todo encajaba, así que debemos estar haciendo bien las cosas. [Risas.]

Gilbert: A veces he dibujado algún personaje escuchando una canción que no se editó hasta un año más tarde, y sí, me molesta bastante. [Risas.] Me refiero a que estoy seguro de que a los lectores no les importará, pero....

Jaime: Si, a mí me pasa lo mismo.

Gaiman: ¿Alguna vez habéis llegado al punto de no querer llamar la atención sobre cuándo o en qué época están sucediendo las cosas? ¿A pesar de que lo sepáis perfectamente y queráis jugar limpio? Es decir, en teoría Sandman sucede a tiempo real, excepto que en realidad en ningún momento he señalado que hayamos llegado a enero de 1994, porque nuestra historia tenía lugar durante 18 meses de...
Gilbert: Claro, la historia de Wigwam Bam transcurría a lo largo devarios meses.

Jaime: ¡Creo que por eso me confundí! Creía que ya me había puesto al día con el nº 30 y de repente Wig Wam Bam me hizo retroceder... me llevó casi dos años completarla.

Gilbert: Creo que parte del problema (mucho más en mi caso que en el tuyo, Jaime), reside en que si estoy haciendo una historia ambientada en 1956, 1968, 1975 o en 1989, todo tiene el aspecto de estar transcurriendo durante los cincuenta [risas]. ¡Es por mi estilo de dibujo! También por mi forma de dibujar a las mujeres. Así que me obliga a ser más específico sobre el marco temporal de la historia.

Gaiman: Cuando leo tu material suelo fijarme en el aspecto de las personas maduras, porque me parece un fenómeno muy extraño. He visto cómo crecían esos personajes desde que eran niños hasta que se han hecho adultos.

Gilbert: Si, y luego llegas a un punto en el que el personaje no parece envejecer demasiado entre sus 35 y sus 50 años.

Gaiman: Y entonces empiezas s a pensar cuánto tiempo lleva teniendo Luba cuarenta años.

Gilbert: Exacto. Tiene la misma cara que cuando tenía 29. Me gusta hacer las cosas de esa forma y estoy bastante acostumbrado, pero estoy seguro de que al lector le parecerá más difícil aceptarlo. Aunque cuando hago historias ambientadas en los cincuenta ¡suelen tener la misma ambientación [que cualquier otra época]! Incluso aunque haya investigado la ropa que se llevaba exactamente en ese momento. Pero de todos modos creo que la culpa la tiene mi estilo de dibujo.

Gaiman: ¿Cuánto sueles investigar el aspecto visual?

Gilbert: Depende de si realmente estoy intentado dejar claro que todo transcurre en una cierta época sin tener que usar algún texto de apoyo que indique: "Mientras tanto, en 1948...", pero a veces ni aún así podrías asegurar en qué año entre 1948 y 1958 está ambientada la historia, ni siquiera por los peinados. Los cambios de peinado son muy sutiles. Por ejemplo, acabo de terminar un número de Love and Rockets donde aparece la última historia de la madre de Luba y tiene lugar en 1948, pero podría ser cualquier año. Su corte de pelo es del tipo rizado que llevaba Betty Page. Pero aunque te fijes bien, te apuesto a que no serás capaz de decir: "Sé en qué año estamos." Por eso dibujé una gran pancarta detrás de su cabeza donde se leía: "1948" [Risas.] Estoy empezando a utilizar bastante ese truco, porque muchos de los lectores tienen dificultades para saber cuándo las historias transcurren en un flashback y cuándo no.

Jaime: Esa es la razón por la que titulé una de mis historias "Primavera de 1982", ese era el título, ¡así es imposible que te parezca una historia que transcurre en la actualidad! [Risas.]

Gaiman: Los dos soléis hacer flashbacks sin previo aviso, algo que en ocasiones me deja descolocado durante tres viñetas. De vez en cuando he seguido sin enterarme de lo que está sucediendo hasta que de repente me digo: "¡espera un momento!" [Risas.]
Gilbert: [Tal vez seamos] demasiados sutiles para nuestro bien.

Gaiman: ¿Lo sois?

Gilbert: Entiendo que sí, porque por ejemplo, si Kim Thompson empieza a editar la historia, puede que me diga: "Bueno, no he pillado que era un flashback hasta el final de la escena", y entonces cojo, reviso la historia e intento leerla desde un punto de vista diferente, y veo que tiene razón. Pero yo también la tengo. Entonces, ¿debería ponérselo más fácil al lector? En realidad sí que he intentado que al lector le sea más fácil leer lo que hago, aunque tampoco quiero que para disfrutar de nuestras cosas tenga que hacer un esfuerzo tremendo.

Jaime: No todo debería ser como un gran misterio.

Gaiman: Me parece que en gran parte tiene que ver con la cantidad de esfuerzo que quieres que haga el lector a cambio de lo que va a obtener al final. A mí no me importa darle trabajo al lector, pero si lo hago me gustaría que de alguna forma obtenga algo a cambio. No me gusta hacer que se tengan que esforzar para darse cuenta de que acabo de hacer un flashback, a no ser que me parezca importante, pero ya no lo hago mucho... porque me suelo apiadar de ellos.

Gilbert: Sí, ¿por qué tiene que ser difícil averiguar dónde se encuentra el personaje y lo que está haciendo en ese momento?

Gaiman: Exacto. Algo en plan: ¿en qué país está ahora mismo?

Gilbert: Claro, no debería ser tan complejo. Creo que ahora soy más consciente e intento alumbrar mejor el camino.

(Continuará)

lunes, 15 de febrero de 2016

KILLED BY 7 INCH #8

Various ‎- Killed By 7 Inch #8
(Redrum Records (KBD) 

A1-Matt Grim - At The Hot Club
A2-The Vibrators - He's A Psycho
A3-Revo - Blah Blah Blah
B1-ATV - You Bastard
B2-Dangerous Pyjamas - Witte Bamen, Zwante Bamen
B3-Dangerous Pyjamas - Fashion

AQUI.

KILLED BY 7 INCH #7

Various ‎- Killed By 7 Inch #7
(Redrum Records (KBD), 2000)

A1-Purrkur Pillnikk - Surprise
A2-The Limps - Circa '2
B1-Nolla Nolla Nolla - Leikin Loppu
B2-The Hoax - We All Hate Myself

AQUI.

viernes, 12 de febrero de 2016

RUTA 66 NÚMERO CIENTO CUARENTA Y TRES


RUTA 66 NÚMERO CIENTO CUARENTA Y TRES (Octubre, 1998)
AQUI.

"¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?
No hay que dar consejos sino dinero, y eso no lo da nadie.
¿Cuál es tu música para un sábado noche?
No tengo una música para cada ocasión. Me gusta sobre todo el ruido.
¿Cuál es tu película favorita?
"Grupo Salvaje", de Sam Peckinpah.
¿Qué libro estás leyendo?
"Our Enemy, The State" (Nuestro enemigo, el Estado) de Albert Jay Nock.
¿Cuá es el sentido de la vida?
No tiene. La trascendencia es una más de las pajas mentales de la raza humana."

Este era parte del "fotomatón" a Miguel Angel Martín (Brian The Brain, Bitch, Hard On) que aparecía en este Ruta 66 número ciento cuarentea y tres.

jueves, 11 de febrero de 2016

INTRODUCCION A THE VORRH DE BRIAN CATLING, por Alan Moore

Unas palabras de Alan Moore sobre The Vorrh, de Brian Catling. Traducidas por Frog2000.

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Brian Cailting es un hombre de muchas habilidades. Como poeta, su extraordinaria composición "The Stumbling Block" continúa plantada como un oscuro y resplandeciente obelisco en el paisaje artístico de finales del siglo XX. Como intérprete proyecta visceralidad y solidez, y sin embargo también raya en una especie de presencia metamórfica, mientras que como artista de ciclópeas y obsesivas miniaturas ha sido capaz de catalogar las obsesivas figuras totémicas entresacadas de sus sueños privados. En la escritura de su salvaje y compasiva novela "Bobby Awl" se puede encontrar un chamanismo terroso sobre la resurreción de los muertos elaborado con fragmentos de archivo y olvidadas máscaras estucadas de la muerte.

Sin embargo, todas estas talentosas esferas se encuentran subordinadas a que ante todo Catling es escultor. Su conmovedora escultura sobre las ejecuciones que tuvieron lugar en la antigua Torre de Londres, un bloque de cristal tiernamente moldeado a tantísimos grados que requirió todo un año de refrigeración, a un grado diario, exhibe un sólido y en ocasiones peligroso procesado del material con toda la profunda y sincera humanidad que caracteriza el resto de su obra. La cualidad de lítica quietud de sus performances es escultural, así como también lo es la claridad en su forma de trabajar que interconecta su poesía con su escritura: da la sensación de que ha sido realizada a partir del triturado experimental y manual de elementos primarios hasta conseguir mixtificarlos en una nueva forma; un lenguaje amasado entre los dedos que transforma sus contornos en algo tan sorprendente como diferente. Dicha forma de proceder también se puede presenciar en la exitosa elaboración de mobiliario mental titulada "The Stumbling Block", o en la cruda evocación de la fisicidad de los tormentosos sucesos históricos sufridos por sus protagonistas que puede observarse en "Bobby Awl".

Pero sin embargo, creo que en ninguna otra parte se puede ver más elocuentemente la forma en la que Caitling modela la arcilla literaria que dentro de las páginas de la verdaderamente monumental "The Vorrh". Se puede ver perfectamente representado en la enorme densidad de la trilogía y en su ingeniosa combinación de corteza, metal, barro y piedra actuando todo junto para edificar un edificio en la mente del lector. Su actitud de artesano táctil nos llama desde la primera e inolvidable escena, centrada en la fabricación de un arco legendario. Dicha escena en cuestión, construida en torno a una breve descripción, podría ser leída como el tropo estándar de la fantasía y la mitología derivado a partir de Tolkien, Robin Hood y Rama, si no fuese por el material utilizado para construir el arma protagonista. Es a través de esta temprana revelación mediante la que se informa al intrigado y sorprendido lector de que si bien esta es una obra de fantasía, es una fantasía muy diferente de la que se ha encontrado hasta ahora en un género tan primario y del que tanto se ha abusado.

Primario porque en este terreno de las cosas que nunca ocurrieron tal vez se puedan ver los orígenes de la imaginación como una de las facultades humanas, y del que tanto se ha abusado por culpa de la paleta absurdamente limitada de conceptos que han terminado representando los rasgos e indicadores más identificables de la fantasía. Por definición, seguramente cada fantasía debería ser única e individual, el producto de una sola visión y una sola mente, con todas las idiosincrasias que componen dicha mente volcadas en cada átomo de la narrativa. Pero este es un género que se ha ido reduciendo por culpa de la perezosa estilización hasta convertirse en un estrecho lenguaje de significantes... magos, guerreros, enanos y dragones... un género sin espacio para El Progreso Del Peregrino de John Bunyan, que podría decirse que fue la primera fantasía sobre misiones y picaresca; o Un Viaje A Arturo de David Lindsay, con sus constantes vistas cambiantes y sus personajes transformistas; ni tampoco para libros extraordinarios como Gormenghast de Mervyn Peake o Gloriana de Michael Moorcock. Sin duda, es este un género que no parece poder contener las eternidades vegetativas de el The Vorrh de Catling.

Ten en cuenta que esto no quiere decir que esta épica y febril obra evite implacablemente las convenciones del género como bien pueden ser las armas legendarias, las monstruosidades sorprendentes o, para el caso, los bosques embrujados. Por el contrario, bajo el feroz abrazo del lenguaje de Catling y en el contexto del entorno alucinante y sorprendente de la obra, dicho material potencialmente desgastado se transforma en algo sustancialmente diferente, al igual que este género tan encorsetado y retrógrado se esfuerza mucho más por abarcar esta inclasificable extravagancia. Aunque previamente ya nos hayamos encontrado bosques encantados en la literatura fantástica, nunca se habían incluido antes modernas turberas irlandesas o las selvas del África colonial, entre otros diversos elementos ajenos.

Y aunque ya habíamos tenido la oportunidad de hacer uso de ángeles en nuestras ficciones, tampoco nos parecen tan impresionantes y conmovedores como esos Erstwhile privados de sus derechos. No es el caso, pero al ver su asombrosa originalidad The Vorrh podría ser fácilmente tomada por la obra de alguien que antes de este momento nunca se había leído una sola frase del género fantástico.

Al igual que ocurre con las obras maestras de este huidizo e impreciso género, no podemos darnos cuenta de las complejidades y fantasmagorías de The Vorrh sin que nos asalte la creciente certeza de que el desarrollo de la historia tiene que ofrecer mucho más que los propios giros y torsiones del argumento. Al igual que ocurría con el laberinto ritual de Gormenghast que evocaba tan astutamente la Inglaterra del S. XX, o con el Tormance de Lindsay, que parecía hablar sobre cuestiones tanto de sexualidad como de metafísica, también en The Vorrh aparecen furtivas sugerencias acerca de un mundo que se quedó obsoleto y se esfumó para ser reconfigurado posteriormente de forma radical, vuelto a recomponer en base a una especulativa cartografía de espacios interiores de los territorios que están por llegar, y con la psicología personal interpretada como si fuese la maleza que los puebla. Quimeras hechas de baquelita que recuerdan a las interminables clases trabajadoras que vivían en interiores de color sepia en la década de los ´50, ambientes crepusculares victorianos que evocan al conjunto de niños perdidos del Imperio [posible referencia en el texto original al libro "Lost Children of the Empire" de Joy Melville y Philip Bean], todo un manojo de domingos lluviosos en los que nada se puede hacer, de grabados de animales inverosímiles esbozados con vivos trazos, de derviches, de labios Ubangi agrandados, de hombres que portan armas anticuadas. En su collage de elementos al estilo Ernst y su conjunto escultórico manufacturado con objetos encontrados, el debut de Catling se construye a horcajadas de una literatura de futuribilidad sin restricciones y a partir de los escombros añorados de un pasado que poco a poco se está disipando.

El distintivo enfoque de los personajes protagonistas que puede encontrarse en The -Vorrh también es digno de mención. Enunciando un listado de historias oscuras pero no por ello menos reales que termina estableciendo un mosaico escabroso y profundo en un mundo lo suficientemente próximo, Catling nos presenta a Eadweard Muybridge, el famoso anatomista, en una reunión increíble pero realista con Sir William Whitey Gull, el supuesto anatomista de Whitechapel. La historicidad de dicha reunión ni por un instante parece forzada en medio de un desfile de melancólicos parias con monóculo e inquietantes antropófagos acéfalos. Ampliamente sumergidas en el amplio abanico del que es capaz este desatendido paraíso de borroso verdor presentado en The Voohr, en ningún momento parece tener prioridad ninguna de las tramas, ni la principal ni la más fantástica, y cada una de ellas incursiona en la otra favoreciendo una insidiosa fluencia que parece hecha del kudzu que reescribe el recuerdo y deja el pasado antes inmutable listo para ser invadido. Da la impresión de que al igual que ocurre con cualquier mitología o romance genuinos, de alguna forma todos estos hechos impensables tienen que haber ocurrido alguna vez, o quizá de alguna forma y en algún momento tendrán lugar en el interior del ser humano.

Seguramente la primera obra prominente de fantasía del Siglo y que bien podría figurar entre las mejores que se han escrito en el género, en The Vorrh se nos presenta un organismo inmaterial en expansión que deja al lector boquiabierto con sus semillas y esporas, fomentando así un nuevo crecimiento y amenazando con una tremenda reforestación de su imaginación.

A base de comedias de costumbres que tienen lugar entre caballerizas y arcos de media luna, y que han perdido cualquier significado, o heroísmos egoístas atravesando pantanos seudo-medievales y poco rigurosos, nuestras obras están siendo cada vez más superadas por la experiencia y se han quedado demasiado angostas como para describir, contener o incluso nombrar las circunstancias de la actualidad. Pero entre los arbustos que crecen de una forma tan novedosa en de The Vorrh se plantean nuevas rutas y nuevas motivaciones implícitas en la siniestra viridiana moteada que nos presenta. Mientras inevitablemente las cuadrículas grisáceas y urbanas de nuestras ideologías y formas de pensar van cayendo en el abandono y la desesperación, la pasmosa obra de Catling ofrece alternativas viables y una significativa obra para la evasión de trópicas posibilidades.

Y de esa forma nos da la bienvenida hacia tan inhóspito terreno.

miércoles, 10 de febrero de 2016

KILLED BY 7 INCH #6

Various -– Killed By 7 Inch #6
(Redrum Records (KBD) 

A1-Bog Ugly - I've Seen It Vomit
A2-Sportsmann - Schluss
B1-The Mirandas - Emotional Fascism
B2-Nipple Erectors - Nervous Wreck

AQUI.

KILLED BY 7 INCH #5

Various - Killed By 7 Inch #5
(Redrum Records (KBD)

A1-Breakouts - Trouble
A2-The Cigarettes - Frivolous Disguises
B1-Geza X - I Hate Punks
B2-Idoli - Plastika

AQUI.

martes, 9 de febrero de 2016

DIEZ AÑOS DE LOVE AND ROCKETS, por Katy MacRae

Ensayo de Katy MacRae para el especial "Ten Years of Love & Rockets" (Fantagraphics, 1992). Traducido por Frog2000.

Después de diez años y casi cuarenta números de Love & Rockets, Jaime y Gilbert Hernandez han conseguido tejer una delicada y compleja red de historias casi-parecidas-aunque-no-lo-sean-del-todo sobre la vida real. Las llamativas imágenes en blanco y negro se las arreglan para cautivar a los lectores, animándoles a que empaticen con personajes que habitualmente carecen del glamour que se les suele achacar a los que pueblan el género dominante del cómic de superhéroes. La respuesta del lector es abrumadora y extremadamente personal. 

Ahora, una década más tarde, los argumentos y las relaciones entre personajes se han entretejido de forma tan intrincada que a veces resulta difícil decir qué demonios está ocurriendo en un momento determinado. La obra de los Bros está vagamente dividida en dos "mundos". El trabajo de Jaime se centra en el suburbio hispano de Los Ángeles denominado "Hoppers 13", mientras que el escenario elegido por Gilbert es Palomar, un pequeño pueblo ficticio situado en algún lugar de Centro-América. Cada hermano se vuelca en su trabajo por separado, aunque algunos personajes de Gilbert ha aparecido en la obra de Jaime y viceversa.

Las historias de Jaime sobre Hoppers 13 (localización vagamente inspirada por el barrio donde vivieron ambos hermanos: Oxnard, California), se centran en la crónica de los sucesos locales y las vidas de sus habitantes. De entre todos los personajes, son las "locas" (Hopey, Maggie, Daffy, Izzy, Penny y Terry) las que forman el núcleo de las historias. Empapadas de la cultura latina de dicha zona, los argumentos también describen las influencias y actitudes del punk angelino en ciernes, rechazando así muchos de los valores tradicionales como los de la familia, la religión, el patriarcado, etc, con los que crecieron los autores. En sus historias las mujeres se esfuerzan por ser independientes.

Hopey, Maggie e Izzy son extrañas para sus padres y están en completo desacuerdo con ellos, aunque se siguen esforzando por mantener los lazos que las atan con sus parientes más cercanos. Aunque Daffy, Penny y Terry no son hispanas, forman parte de la ambientación tanto como los nativos. Entre todas han creado su propia familia particular, consiguiendo así una forma de vida determinada y cierta seguridad, incluso aunque sean objeto de burla o malinterpretadas por alienarse de sus respectivas pandillas o familias. Según van madurando y aventurándose más en la vida, todo un nuevo elenco de personajes va surgiendo a su alrededor. Los intereses amorosos de Maggie (Rand Race, Speedy, Ray), la banda de Hopey, el marido de Penny y las hermanas de Daffy. Según van pasando los años, cada personaje terminará abandonando el redil, cada uno a su manera. Por lo general elegirán regresar a Hoppers en algún momento.

Todos los personajes de Jaime están continuamente enamorándose, rompiendo relaciones, peleando y haciendo las paces, sin embargo la relación más duradera es la que existe entre Maggie y Hopey. Amigas y amantes desde la adolescencia, ambas se han separado una de otra con frecuencia para volver a reunirse a continuación. Su relación no está confinada bajo anticuados estándares de monogamia, y tampoco se etiquetan como lesbianas o bisexuales. Aunque están profundamente comprometidas la una con la otra, Maggie y Hopey raramente están celosas de sus relaciones con otros amantes. Hopey le deja claro a Maggie que tiene otros intereses amorosos cuando ella no está cerca, y nunca parece sentirse amenazada por los ligues de Maggie con algunos hombres. Quizá porque cree que "Magpie" siempre volverá a sus brazos.

Mientras que las historias de Jaime son por lo general retazos de vida (si excluimos los primeros números de Love & Rockets, ornamentados con elementos de ciencia ficción), Gilbert ha pasado de narrar los procesos de la vida diaria a profundizar en temáticas más complejas y dramáticas. En el pueblecito rural de Palomar se genera mayor intriga que en cualquier otro lugar, especialmente cuando el autor se lanza a explorar la historia del personaje principal, Luba. De su madre, Maria, hereda un salvaje comportamiento (y una figura de infarto). Casada a los quince años con un hombre enamorado de su madre, Luba y sus amigas se convierten en adictas a las drogas y personas promiscuas. Más tarde Luba se convertirá en el núcleo de las historias que suceden en Palomar después de mudarse al pueblo junto a su prima Ofelia y su hija Maricela.

Durante la historia titulada "Pies de Pato", Luba se pasaba la mayor parte del tiempo atrapada en un agujero, pero los paralelismos que se podían ver en ese segmento entre Maricela y ella se convertían en dolorosamente evidentes. Cuanto más intenta Maricela distanciarse de su madre y negar que se convertirá en alguien como ella, más parece un reflejo de la furia de Luba. Esta historia también supuso un punto sin retorno para Tonantzin, que comenzó a sucumbir a la paranoia política imbuida por su novio, Geraldo. La temática crepuscular se utilizará de nuevo en "Diastrofismo Humano". Movida por la desesperación, Maricela se marchará a los Estados Unidos junto a su novia para escapar así de su madre, mientras que Tonantzin terminará suicidándose, y Luba se convertirá en una persona tan violenta que su hija Guadalupe renegará de ella.

Un tercer arco argumental tendrá lugar en los Estados Unidos. Maricela y Riri conseguirán asentarse en las afueras de Hollywood y se convertirán en el enlace entre Palomar y California. La intensidad de los argumentos volverá a su cauce habitual en cuanto la historia empiece a afrontar la rutina diaria, y los sucesos subsiguientes no serán tan drámáticos ni catastróficos como los que tuvieron lugar en Palomar. Como ocurre en la obra de Jaime, las mujeres son los pilares en los que se apoyan todos los argumentos. En este caso en descendencia matrilineal: de Maria a Luba, y de ahí a Maricela.

Gran parte del atractivo de la obra de los Bros reside en su contenido, en particular en la increíble habilidad de los hermanos para retratar diferentes perspectivas femeninas y culturas juveniles, dando como resultado que el sexo del lector habitual de Love & Rockets esté realmente equilibrado y que la serie disfrute además de un amplio rango de seguidores de diferentes edades. La popularidad de la serie consigue atraer a nuevos lectores, las tramas suelen concluir y empezar de nuevo sin dejar un momento de respiro, los personajes aparecen y desaparecen gradualmente y su futuro (como siempre ha ocurrido) es completamente impredecible.

lunes, 8 de febrero de 2016

KILLED BY 7 INCH #4

Various ‎– Killed By 7 Inch #4
(Redrum Records (KBD)

A1-Dangerous Girls - I Don't Want To Eat
A2-Električni Orgazam - Konobar
B1-Wards - Six O'Clock News
B2-Wards - Greens
B3-Gaznevada - Blue TV Set

AQUI.

KILLED BY 7 INCH #3


Various ‎– Killed By 7 Inch #3
(Redrum Records (KBD)

A-222 - The First Studio Bomb
A2-The Sods - No Pictures
A3-Subverts - Can't Control Myself
A4-Hand Grenades - Coma Dos

AQUI.

viernes, 5 de febrero de 2016

RUTA 66 NÚMERO CIENTO CUARENTA Y DOS


RUTA 66 NÚMERO CIENTO CUARENTA Y DOS (Septiembre, 1998)
AQUI.

"¿Crees que tienes el mismo sentido de la espiritualidad que John Coltrane?

No, no creo. Para Coltrane la música tiene mucho que ver con el corazón, con llegar a sentir a Dios o acercarse a él. Para mí es algo mucho más terrenal y más primario, basado en la propia persona y en lo que cada uno puede llegar a sentir. Gente como Van Morrison, Tom Waits o Dr. John tienen ese mismo sentimiento de transmitir algo más natural. Parece que cogen música que flota en el aire para hacer sus canciones, cogen eso que parece normal pero que nadie es capaz de hacer. Hacen canciones que cualquiera podría hacer, no son un alarde técnico técnico o experimental. Se reducen a... formas combinatorias, a combinaciones de notas que están al alcance de cualquiera. No me gusta esa concepción espiritual de la musica porque deja de lado la espontaneidad, que es algo fundamental para mí."

Spiritualized acababa de editar "Ladies And Gentleman, We Are Floating In Space" y Jason Pierce explicó a Pablo Gil qué significaba ese LP en su trayectoria.

jueves, 4 de febrero de 2016

KILLED BY 7 INCH #2


Various ‎- Killed By 7 Inch #2
(Redrum Records (KBD), ???)

A1-Ticks - TV's On
A2-The Essentials - I Don't Get It
B1-The Enemy - Want Me
B2-Gregor Mackenzie And The Misanthropes - Contact Overdoes

AQUI.

KILLED BY 7 INCH #1


Various - Killed By 7 Inch #1
(Redrum Records (KBD), 1996)

A1-Plain Wrap! - Punk Rock
A2-Massmedia - Das Jazz
B1-Naked Lady Wrestlers - Accidents
B2-Intestines - Anyway

AQUI.

miércoles, 3 de febrero de 2016

DISCOGRAFÍA DE ALAN MOORE

DISCOGRAFIA DE ALAN MOORE

Nota: esta discografía irá completándose según se reúna más información.

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THE EMPERORS OF ICE CREAM
(Moore, Green)
No existen grabaciones publicadas.

THE EMPERORS OF ICE CREAM II
(Moore, Perkins, Gebbie)
No existen grabaciones publicadas.

MYSTERY GUESTS (Mr Liquorice)
Varios (singles), 1980
Incluye dos canciones compuestas por Moore. "Wurlitzer Junction" era la cara A del primer single. "The Merry Shark You Are" (parte del texto de la canción que aparecía en la cara B del segundo single era de Moore.)

MASK (Bauhaus) 1981
Beggars Banquet records.
Introducción en spoken word.

SATORI IN PARIS EP (Bauhaus), 1982
Beggar Banquet records
Introducción en spoken word.

THE SINISTER DUCKS EP 
(The Sinister Ducks), 1983
Tracklist: The March of the Sinister Ducks, Old Gansters Never Die.
Moore canta bajo el alias de "Translucia Baboon". Redistribuido por Fantagraphics como flexi-disc con el cómic Critters, nº 23.

V FOR VENDETTA LP
(Moore, Perkins) 1984
Originalmente editado por Glass UK, reeditado por Cleopatra Records, 1998
Canciones: This Vicious Cabaret, V´s Theme, Incidental.
Producido por David J, su contenido también aparece en su disco On Glass (1986.) Inspirado/ adaptado del cómic de Alan Moore del mismo título.

THE BIRTH CAUL: A SHAMANISM OF CHILDHOOD (Moore, J, Perkins), 1995
Charrm Records
Palabras y voces de Moore, música de J y Perkins. Grabado en directo en Newcastle, Inglaterra, 18 de noviembre de 1995. Adaptado en forma de cómic por Eddie Campbell (1999).

MAURICE AND I LP (Flash Girls) 1995
Contiene la canción compuesta por Moore "Me and Dorothy Parker".

THE MOON AND SERPENT GRAND EGYPTIAN THEATER OF MARVELS
(Moore, J, Perkins, Gebbie), 1996
Cleopatra Records
Textos y voces de Moore, música y producción de J y Perkins, voces adicionales de Gebbie.

Impulse Issue 7 cassette, 1997
Impulse
Alan Moore, Tim Perkins y David J contribuyen con el tema "The Demon Asmodeus".

The Dirtbombs ‎– We Have You Surrounded, 1998
In The Red Recordings
Incluye "Leopardman At C&A", canción inspirada en un tema compuesto por Alan Moore.

BROUGHT TO LIGHT (Moore, Lloyd), 1998
Codex Records
Textos y voces de Moore, música y producción de Lloyd. Adaptado del cómic de Moore del mismo título.

HEXENTEXTS: A Creation Book Sampler, 1999
(Varios)
Contiene la primera versión grabada de "Hair Of The Snake That Bit Me", Moore también diseñó la portada.

THE HIGHBURY WORKING: A BEAT SÉANCE, 2000
(Moore, Perkins, van Wijngaarden)
RE:
Textos y voces de Moore, música de Perkins. Baile performance actuado por van Wijngaardem. La primera vez que se interpretó el espectáculo fue en el Club Absorption, en la parte de arriba de The Highbury Garage (20 de noviembre de 1997).

ANGEL PASSAGE (Moore, Perkins), 2001
RE:
Textos y voces de Moore, música de Perkins. 
Primera interpretación el 2 de febrero de 2001, como parte de un tributo a William Blake en la Tate Gallery, Londres.

SNAKES AND LADDERS (Moore, Perkins), 2003
RE:
Textos y voces de Moore, música de Perkins. Primera interpretación en el Red Lion Square, 1999. Adaptado en forma de cómic por Eddie Campbell (2001).

Various ‎– Tom Hall 1944 2XCD, 2003
Grass Roots Records
Moore contribuye con varios spoken words y lee el texto compuesto por Tom Hall titulado "Moses For Christmas Episode I".

Various - Nation Of Saints - 50 Years Of Northampton Music ‎(CD), 2009
Moore contribuye con "You Are My Asylum". El CD se podía conseguir con el primer número del prozine Dodgem Logic.

Various ‎– Mis-Information: Developed Inconsistencies: Akapella 2, 2010
Moore contribuye con el spoken word "Magick".

L.U.C ‎– Planet LUC Energocyrkulacje, 2010
EMI Music Poland
Aparece el tema de Alan Moore "Reżim Pana Cykacza".

UNEARTHING (Moore, Jenkins), 2010
Lex Records
Textos y voces de Alan Moore, voces adicionales de Gemma Young y Robert Goodman, música de Mitch Jenkins.

A Compilation Of Songs And Performances By Alan Moore And Friends CD, 2011
Sin sello discográfico. Acompañaba la edición inglesa del libro "Alan Moore, Storyteller".

Eddie Enrico And His Hawaiian Hotshots ‎– Immortal Love 7", 2012
Kapital. 
Moore y Tim Perkins imitan los singles de rock n´roll de los cincuenta. Los temas son: "Immortal Love" y "Home With You". Originalmente (?) el single iba a aparecer vendido conjuntamente con La Liga de los Hombres Extraordinarios: Black Dossier.